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La Coctelera

Miss Bala

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DIRECTOR: GERARDO NARANJO

 

Comenzó su carrera escribiendo crítica de cine. En 1997 dirigió su primer cortometraje, Perro Negro, antes de inscribirse en el Máster de Dirección en el American Film Institute de Los Ángeles, donde se graduó con la tesis titulada The Last Attack of the Beast con la que recibió numerosos premios. En 2005 protagonizó y co-escribió The Good Times Kid, de Azazel Jacobs, y en 2006, estrenó su primer largometraje, Drama / Mex, en la Semana de la Crítica de Cannes. Éste, al igual que Voy a explotar, su siguiente película, participó en numerosos festivales (Nueva York y Toronto, entre otros). Después de su estreno en la Bienal de Venecia ganó el premio "FIPRESCI" en el Festival de Tesalónica.

Recientemente, ha participado en Revolución, una compilación de diez cortos dirigidos por directores mexicanos contemporáneos. Estrenada en Berlín y elegida como Mejor Película en el Festival de Biarritz de Cine Latinoamericano. En 2010, Naranjo fue incluido en Take 100, The Future of Film: 100 New Directors, compendio publicado por Phaidon, que reúne a los 100 directores emergentes de mayor proyección.

FILMOGRAFÍA

Dirección: (2011) Miss bala, (2008) Voy a Explotar, (2006) Drama/Mex

Guionista: (2011) Miss bala, (2008) Voy a Explotar, (2006) Drama/Mex

Producción: (2008) Voy a Explotar

 

GUIONISTA: MAURICIO KATZ

 

Mauricio Katz (México D.F., 1976) estudió cine en la escuela de Artes Visuales de Nueva York. De vuelta en México funda la compañía Judo, donde realiza diversas campañas publicitarias para varias películas, entre ellas, Y Tu Mamá También. Años después crea Tarántula, compañía distribuidora de cine, que cuenta con numerosos títulos. Ha trabajado en varios proyectos como guionista y asesor. Verdaderamente Durazo es su ópera prima documental.

FILMOGRAFÍA

Miss Bala, Guionista, 2011

 

 

 

 

 

 

 

 

ACTRIZ: STEPHANIE SIGMAN

 

Stephanie Sigman, originaria de Obregón, Sonora, es la joven actriz más hot del momento. De 24 años de edad, empezó su carrera en la actuación hace cinco años, pero es con este protagónico en Miss Bala que realmente se da a conocer en el mundo del cine y a nivel internacional.

Actualmente protagoniza la película "Miss Bala"

En el Festival de Cannes, tanto la película como Stephanie, fueron muy aclamadas, incluso con rumores de una nominación al Oscar, imitando a Catalina Sandino Moreno en Maria Full of Grace. Stephanie ha comentado que en el futuro le gustarí­a hacer algo diferente y separarse un poco de las pelí­culas de acción y de los thrillers.

Su forma de elegir un rol es leer el guión y sentirlo, y aunque admite no tener mucha experiencia, le gustarí­a también hacer trabajo detrás de cámaras.

FILMOGRAFÍA

"Miss Bala" (2011)

"River of gold" (2010)

"Los Minondo" (2010)

"Cambio de vida" (2 episodios, 2007, 2008)

"Con lujo de detalles" (2006).

 

ACTRIZ: IRENE AZUELA

 

Irene Azuela (Ciudad de México, México; 27 de octubre de 1979) es una actriz mexicana de teatro, cine y televisión. Ganadora en 2008 y 2009 del Premio Ariel a Mejor Actriz.

Comenzó sus estudios actorales en el Centro de Formación Actoral de TV Azteca. Posteriormente estudió un Posgrado en Teatro Clásico en la London Academy of Music and Dramatic Arts, y un curso de Teatro Físico y Máscaras en la Desmond Jones School of Mime and Physical Theater.

FILMOGRAFÍA

2007,  El búfalo de la noche, Quemar las naves

2008, Es muy fácil, Emprendedores, Emprendedores   Amor, dolor y viceversa, Arráncame la vida, Bajo la sal

2009, Amor a primera vista      

2010, El atentado    

2011, Así es la suerte, Miss Bala                              

 

 

 

 

MÁTYÁS ERDÉLY: FOTÓGRAFO

 

Matyas Erdely es un director de fotografía con sede en Budapest, Hungría.

Ha realizado tanto en la Universidad húngara de Drama y Cine de Budapest y el Programa de Maestría en el Conservatorio del Instituto de Cine Americano en Los Angeles.

Empezó a rodar anuncios publicitarios, mientras que todavía en la escuela de cine para las agencias de alto perfil y clientes entre los proyectos narrativos, lo que él cree que es una fantástica manera de maximizar su energía creativa. Sus obras narrativas se proyectó en varios cientos de festivales de cine alrededor del mundo, como Cannes, Venecia, Berlín y Sundance y ha ganado varios premios.

Él es un "regular" en Cannes con seis películas en diferentes secciones en los últimos años, incluidas Delta, un húngaro-alemán de co-producción que estaba en la competencia principal y ganó el Premio FIPRESCI en el año 2008, Tender Son-The Frankenstein Project también en la Competencia y de la película Miss Bala de México que fue distribuido por Fox International Pictures después de su estreno en Cannes.

Su última película La mujer que sacudió la Lágrimas, un macedonio-alemán-belga co-producción se estrenó en Berlín este año.

FILMOGRAFÍA

  • Semilla de Maldad (Tender Son) (2010)
  • Delta (2008)
  • Miss Bala (2011)

 

 

 

COMPOSITOR: EMILIO KAUDERER

 

Kauderer nació en Argentina. He studied composition with Jacobo Ficher and conducting with Jaques Bodmer . Estudió composición con Jacobo Ficher y dirección de orquesta con Jacques Bodmer. Actuó como pianista de música clásica y luego participan en la composición rigurosa y la realización de formación en el Chaikovski Conservatorio de Moscú con una beca de mérito completo.

A su regreso a la Argentina sus composiciones de cámara se llevaron a cabo por la Camerata Bariloche. Quinteto de Viento de Emilio "Danzón", ganó el Premio Yamaha-Promusica en 1987. Comenzó a trabajar en el cine de la Argentina en 1980, componiendo para la película La Discoteca del Amor , que fue dirigida por Adolfo Aristarain. Él recibió una beca para Laboratorio Compositor del Instituto Sundance y fue honrado por haber sido seleccionado como el compositor de la música para la pieza de judía de Nueva York, Museo del Patrimonio exhibición principal. Su musical ", Paquito de Navidad", se llevó a cabo en la Ópera de Washington y el Pasadena Civic Center en Los Angeles, y contó con el nieto Plácido Domingo, Santo Domingo. Kauderer obra sinfónica ha sido interpretada por las Orquestas Sinfónicas Nacionales de Argentina y Honduras, la Orquesta Sinfónica de La Porte y la Organización Panamericana de la Orquesta Sinfónica de Washington.

FILMOGRAFÍA

El secreto de Sus Ojos (2009) - co-compositor con Federico Jusid, Verano amargo (2007) (in production) Verano amargo (2007) (en producción), Vientos de agua (7 episodes, 2006) Vientos de agua (7 episodios, 2006), A dios momo (2006) A Dios Momo (2006), 3:52 (2005) 3:52 (2005), 2+2=5=1 (2004) 2 +2 = 5 = 1 (2004), Dead Like Me (7 episodes, 2003-2004) Tan muertos como yo (7 episodios, 2003-2004), "Te amaré en silencio" (2003) TV Series "Te Amaré en Silencio" (2003) Series de TV Indigo (2003) Indigo (2003), Patriotas, Los (2002) Patriotas, Los (2002), Trysting (2001) Trysting (2001), Quantum Project (2000) Quantum Project (2000), El Mismo Amor, la Misma Lluvia (1999) El Mismo Amor, La Misma Lluvia (1999), Friends & Lovers (1999) Friends & Lovers (1999), Erasable You (1998) Borrable You (1998), Asesinato a distancia (1998) Asesinato a Distancia (1998), Women: Stories of Passion (2 episodes, 1997) Mujeres: Historias de la Pasión (2 episodios, 1997), Playback (1996) La reproducción (1996), "Hot Line" (1 episode, 1994) "Hot Line" (1 episodio, 1994), Tirano Banderas (1993) Tirano Banderas (1993), The Ice Runner (1993) El Ice Runner (1993), Midnight Kiss (1993) Midnight Kiss (1993), Al filo de la ley (1992) Al Filo de la Ley (1992), Un lugar en el mundo (1992) Un Lugar En El Mundo (1992), Gypsy Eyes (1992) Gypsy Eyes (1992), Prototype (1992) Prototype (1992), Julia Has Two Lovers (1991) Julia tiene dos amantes (1991), Crack Me Up (1991) Crack Me Up (1991), Palenque (1990) Palenque (1990), 15 Ugly Sisters (1990) 15 Hermanas Ugly (1990), Fist Fighter (1989) Fist Fighter (1989), Slash Dance (1989) Roza Danza (1989), They Call Me Macho Woman! (1989) They Call Me Macho Woman! (1989), In Dangerous Company (1988) En compañía peligrosa (1988), Abierto de 18 a 24 (1988) Abierto de 18 un 24 (1988), Made in Argentina (1987) Made in Argentina (1987), En busca del brillante perdido (1986) En busca del brillante perdido (1986), Bajo tierra (1985) Bajo tierra (1985), Los Fierecillos indomables (1982) Los Fierecillos Indomables (1982), Plata dulce (1982) Plata dulce (1982), Últimos días de la víctima (1982) Ultimos Dias de la Víctima (1982), Tiempo de revancha (1981) Tiempo de revancha (1981), Las Vacaciones del amor (1981) Las Vacaciones del amor (1981), La Discoteca del amor (1980) La Discoteca del Amor (1980)

 

 

 

 

 

 

 

PREMIOS OBTENIDOS

  • "Mejor Película Iberoamericana" en la edición XXVI de los Premios Goya, otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España
  • Mejor actriz y Mejor Director en festivales como Cannes, Toronto, San Sebastián y mas recientemente en Tokio

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"MI SEMBLANZA"....G. GERALDINE ALFARO BRICEÑO

A lo largo de los años, he visto cientos  de películas que han marcado mi vida, alguna se me han quedado grabadas, otras no, unas cuantas me han enseñado formas de reaccionar ante ciertas situaciones que se me presentan, muchas más me han hecho llorar aveces de tristeza, aveces de felicidad, de pronto hubo las que me hicieran enojar, en fin, las películas son parte esencial de lo que soy ahora, pues me identifico con bastantes personajes, o me gustaría ser como alguno otros. Pero no fue hasta ahora, que aprendí a observar más a fondo todo lo que me puede ofrecer un largometraje, aprendí a aplaudirle a todos aquellos que aparecen siempre al final de una cinta, que aunque son lo último, son los más importantes, pues son ellos quienes me enseñaron a ver más allá de mis ojos y son ellos quienes nos ofrecen horas y horas de entretenimiento y que desgraciadamente, no supe apreciarlo desde un principio. Después de todos los conocimientos que hasta ahora he obtenido gracias a mi maestro y amigo, Héctor Juárez, a partir de hoy veo con otros ojos el trabajo final de los productores, directores y todo el equipo de producción que hay detrás de la pantalla y mi forma de apreciar un film se volvió objetiva y hasta cierto punto profesional.

 

 

 

 

ANÁLISIS CINEMATOGRÁFICO

"MISS BALA"

Aunque difícil de aceptar, el largometraje "Miss Bala" no está tan alejado de la realidad, ya que Gerardo Naranjo, director del mismo, se inspiró en una historia real, la de una joven llamada Laura Zúñiga, originaria de Obregón Sonora, quien ganó el certamen Nuestra Belleza Sonora, lo que automáticamente le dio pase para competir por Nuestra Belleza México y luego, tal vez, por Miss Universo. Lamentablemente, su sueño se vio truncado, debido a que en ese mismo año fue arrestada por presuntos nexos con el crimen organizado.

En este film, se puede observar detalladamente la aportación que Naranjo hizo a la conciencia colectiva, conforme a la realidad que vivimos. Además se presenta una nueva opción de mirar a las reinas de belleza, dándole un giro de 360° y utilizándolas como una versión de lo que está sucediendo con el narcotráfico y el crimen organizado, que como podemos darnos cuenta en la película, se vuelve cada vez una pieza más fuerte del Poder en México.

Un aspecto que hace que la película se vuelva más interesante y que mantengan al espectador pegado a la pantalla, es que nos muestra una realidad muy cruda, apoyada de una manera adecuada por el guionista Mauricio Katz, quien hace de esta historia un tema entretenido, mas no divertido, que te lleva a conocer poco a poco la vida de Laura Guerrero, una mujer que quiere ser la reina de belleza de su localidad, con el único fin de cambiar su calidad de vida, obtener fama y fortuna.

La película está denominada como cine de ficción, pero no por eso se pone en duda que lo que sucede en la cinta sea posible o incluso ya haya pasado alguna vez, aunque quizás no de la misma forma.

Mirando la cinta desde otra perspectiva, también se aprecia lo que una persona es capaz de hacer cuando sabe que su vida depende de ello, o que podría poner en peligro seres queridos o llegar a truncar sueños por una mala decisión.

Laura Guerrero, nos muestra la valentía de una mujer dispuesta a actuar de la manera más adecuada en diversas situaciones que ponen en riesgo planes, deseos o incluso, la vida misma.

Naranjo, utilizando varios recursos, intenta y, por los resultados arrojados tras el estreno del filme, logra representar y dar a entender una realidad.

Aunque el narcotráfico y el crimen organizado forma parte de nuestra vida coridiana, desconocemos muchas de las cosas que pasa dentro de los mismos, o quizás sea que no las queremos ver, pero entre el guión, realizado por Mauricio Katz, la música de Emilio Kauderer, quien nos llena de silencios, para así dejarnos ver las reacciones de Laura, que aunque al principio del film se vuelve un poco tedioso, logra una inmersión efectiva en la historia, la fotografía de Máytás Erdély, quien por cierto nos muestra la mayoría del tiempo lo que Laura Guerrero ve poniendo al espectador en el lugar de la protagonista y la dirección de Gerardo Naranjo, además del gran elenco reunido dentro de la cinta, se puede conocer como se maneja el sistema dentro de los cárteles y la dinámica que realizan, lo que nos revela que vivimos en un mundo lleno de falsedades, influyentismo y violencia, y que no es necesario ver a un tipo lleno de cadenas de oro, guardaespaldas y camionetas blindadas y último modelo para creer que puede formar parte del mundo bajo del dinero fácil, si no que lo podemos tener a la vuelta de la esquina y ni cuenta nos daremos.

"Miss Bala" nos muestra también cómo es que se van formando este tipo de organizaciones y el tipo de gente que tiene el poder. Un aspecto resaltante, es el hecho de que Naranjo nos invita a no confiar ni en las autoridades de nuestrp país o ciudad.

También habla sobre la nueva forma política que está dominando a México, donde lo conveniente, lo acordado y lo necesario para todas las partes es lo que rige el sistema de gobierno, es decir, el gobierno se ve involucrado, representado por un concurso de belleza en el que Laura es ganadora, todo esto obligado por la fuerza que ejercen estas organizaiones en conjunto con grandes autoridades, lo que seguramente es lo que sucede actualmente en México.

El título de la película, "Miss Bala", definitivamente va conforme a la historia que se desenvuelve y por lo que vivimos en nuestro país, es llamativa para la mayoría de los espectadores, pues se sienten identificados con el tema.

El inicio de la película no es muy fuerte, sin embargo te prepara para lo que viene, la forma en la que una persona común y corriente, se adentra al mundo del crimen organizado y narcotráfico, sin necesidad de buscarlo, además que las calles y lugares en los que se desenvuelve la historia, hace que el espectador se adentre más y se vea más identificado con la misma.

Aunque el tema es pensado para adultos, muestra un par de desnudos que quizás se pudieron haber omitido, pues la trama no lo necesitaba, aunque se puede rescatar que no son hechos a manera de morbo.

Las secuencias son adecuadas y permite al espectador entender perfectamente cada parte de la película.

Otro aspecto importante, que realza el trabajo realizado por Naranjo, es que haciendo una comparación entre otra cinta de la misma categoría, como "El Infierno", dirigida por Luis Estrada, que es un film que a pesar de tratar la misma problemática del país y la situación actual en la que vivimos, lo hace dándole tintes cómicos a lo largo de la historia, con personajes más allegados a la ficción, a diferencia de "Miss Bala", que es más cercano a la realidad y que aunque lo muestra de manera tajante y cruda, es digerible y aceptada por el público.

El elenco elegido para representar cada uno de los personajes fue el adecuado, ya que no raya en la exageración, si no que hace incluso que cualquiera se identifique con alguno de ellos.

Stephanie Sigman: representando a Laura Guerrero, una chica de clase baja, con sueños y ganas de cambiar su calidad de vida, lo que se ve truncado por un grupo de delincuentes.

Noé Hernández: Noé le da vida a Lino Valdéz, jefe de la organización, que rompe por completo con los estereotipos de lo que representa un narco.

James Russo: reencarna en Jimmy, un extranjero que hace negociaciones con bandas nacionales.

José Yenque: Kike Camára, un policía, que por tratar de realizar su trabajo y convertirse en héroe del país, se ve afectado por la organización, acabando con su vida y utilizado como herramienta de amenaza.

Irene Azuela: Jessica Berlanga, una joven con el mismo sueñ que Jessica, sólo que sin la misma influencia, por lo que queda en segundo lugar del concuerso de belleza.

Miguel Couturier: Le da vida a un general, Salomón Duarte, quien se vuelve blanco de la organización.

Todos ellos, hacen una representación grata de la realidad, mostrando lo que se puede hacer en este país con dinero, con influencias y con armas.

Vemos tambien una serie de valores, mostrados por Laura, quien es leal, ya que lo único que buscaba era encontrar a su amiga, sin pensar en las consecuencias que esto le traería, esperanza y fe, pues luchaba por lograr sus sueños y sus ideales, sin imaginar que estos se verían truncados por estar en el lugar equivocado, en el momento equivocado, amor, demostrándolo con la manera de cuidar a su familia (su papá y su hermano menor), sin importar las consecuencias que esto arrojaría.

Por parte de grupo delictuoso, lo úncio que nos arroja son una serie de antivalores, pues son gente que o piensa en el daño que puedan ocasionar, nisiquiera para ellos mismos, pues arriesgan todo por un poco de dinero.

En general, es un film digno de apreciar, pues además de ofrecernos un rato de entretenimiento, nos invita a crear conciencia, a conocer más a fondo el sistema de gobierno y tratar de hacer algo por ello, a adentrarnos en una realidad en la que estamos envueltos pero con los ojos bendados y a admirar, lo que una mujer es capaz de hacer por mejorar su calidad de vida y a su vez la de su familia.

Taxi Driver

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/c/c9/Taxi_Driver_poster.JPG/220px-Taxi_Driver_poster.JPG

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=0k_ZBz30BJA

Título Taxi Driver
Ficha técnica
Dirección
Martin Scorsese

Producción
Julia Phillips
Michael Phillips

Guion
Paul Schrader

Música
Bernard Herrmann

Fotografía
Michael Chapman

Montaje
Tom Rolf
Melvin Shapiro

Protagonistas
Robert De Niro,Cybill Shepherd,Jodie Foster,Peter Boyle,Albert Brooks,Harvey Keitel

Datos y cifras
País(es)
Estados Unidos

Año
1976

Género
Drama
Duración 113 minutos
Clasificación R
C

Compañías
Productora Bill/Phillips
Italo/Judeo Productions
Distribución Columbia Pictures

Presupuesto US$ 1,3 millones (estimado)1

Recaudación US$ 28.262.574

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/aa/Martin_Scorsese_by_David_Shankbone.jpg/200px-Martin_Scorsese_by_David_Shankbone.jpg
DIRECTOR: Martin Charles Scorsese

Es un director, guionista, actor y productorestadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987.
Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,2 el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan yShine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.3
Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed, la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academiacelebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgó el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premiosGlobos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento.
Scorsese es Presidente de The Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro.

Director
 2012: Sinatra
 2011: George Harrison: Living in the Material World (documental).
 2011: Hugo
 2010: Boardwalk Empire (capítulo piloto)
 2010: Shutter Island (La Isla Siniestra)
 2008: Shine a Light (documental).
 2007: The Key to Reserva (La clave Reserva).
 2006: The Departed
 2005: No Direction Home: Bob Dylan (documental).
 2004: The Aviator (El aviador).
 2004: Lady by the Sea: The Statue of Liberty (documental).
 2003: The Blues: "Feel Like Going Home" (serie de televisión).
 2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York).
 2001: The Concert for New York City: "The Neighborhood" (musical).
 1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite).
 1999: Il mio viaggio in Italia (Mi viaje a Italia).
 1997: Kundun.
 1995: Casino (Casino, de Scorsese).
 1995: A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través del cine americano) (documental).
 1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia).
 1991: Cape Fear (Cabo de miedo, El cabo del miedo).
 1990: Goodfellas (Buenos muchachos, Uno de los nuestros).
 1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida).
 1988: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo).
 1987: "Bad" (vídeo musical, Michael Jackson).
 1986: The Color of Money (El color del dinero).
 1986: Amazing Stories: "Mirror, Mirror" (Cuentos asombrosos: "Mirror, Mirror) (Serie de televisión).
 1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas).
 1983: The King of Comedy (El rey de la comedia).
 1980: Raging Bull (Toro salvaje).
 1978: The Last Waltz (El último vals, El último rock).
 1978: American Boy: A Profile of: Steven Prince.
 1977: New York, New York (película).
 1976: Taxi Driver.
 1974: Alice Doesn't Live Here Anymore (Alicia ya no vive aquí).
 1974: Italianamerican (documental).
 1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas).
 1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha, Bertha: ladrona y fugitiva).
 1970: Street Scenes (documental).
 1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?).
 1967: The Big Shave (La gran afeitada) (cortometraje).
 1964: It's Not Just You, Murray! (cortometraje).
 1963: What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (cortometraje).
 1959: Vesuvius VI (cortometraje).
Actor
 2004: The Aviator (El aviador).
 2004: Shark Tale (El espanta tiburones, El espantatiburones) (voz) (Sykes, pez globo).
 2002: Gangs of New York (Pandillas de Nueva York).
 1999: Bringing Out the Dead (Al límite, Vidas al límite) (voz).
 1995: Search and Destroy (Busca y destruye, Buscar y destruir).
 1994: Quiz Show (Quiz Show: El dilema), Martin Rittenhome.
 1993: The Age of Innocence (La edad de la inocencia).
 1991: Guilty by Suspicion (Caza de brujas), Joe Lesser.
 1990: The Grifters (Los timadores, Los tramposos).
 1990: Dreams (Los sueños de Akira Kurosawa), Vincent Van Gogh.
 1989: New York Stories: "Life Lessons" (Historias de Nueva York: "Apuntes Del Natural", Lecciones de Vida).
 1986: The Color of Money (El color del dinero) (voz).
 1986: Round Midnight (Alrededor de la medianoche), Goodley.
 1985: After Hours (Después de hora, Jo, ¡qué noche!, Después de las horas).
 1983: Anna Pavlova, Gatti-Cassaza.
 1983: The King of Comedy (El rey de la comedia).
 1980: Raging Bull (Toro salvaje).
 1980: Il Pap'occhio.
 1976: Cannonball!.
 1976: Taxi Driver.
 1973: Mean Streets (Malas calles, Calles peligrosas), Jimmy Shorts.
 1972: Boxcar Bertha (El tren de Bertha).
 1967: Who's that knocking at my door? (¿Quién llama a mi puerta?, ¿Quién toca a mi puerta?).

Productor
 2000: You Can Count on Me
 2004: Nyfes
 2009: The Young Victoria
 2010: Boardwalk Empire

GUIONISTA: Paul Joseph Schrader

Paul Joseph Schrader (nacido el 22 de julio de 1946 en Grand Rapids, Míchigan) es un guionista y director de cine estadounidense. Su hermano es el también guionista y director Leonard Schrader, con quien ha colaborado en los guiones de Mishima y Blue Collar. Está casado desde el año 1983 con la actriz Mary Beth Hurt, con quien tiene dos hijos, Molly y Sam.

Educado en una estricta fe calvinista que le marcaría profundamente y cuya influencia se deja sentir en toda su obra, no vio una película hasta cumplir los 18 años de edad. Se graduó en el UCLA Film Studies y se convirtió en crítico de cine primero para el periódico LA Weekly Press y más tarde para la revista Cinema Magazine. Mientras tanto, completó sus estudios en la Universidad de Columbia y en el Conservatorio AFI.
En 1975 escribe junto a su hermano Leonard el guion de The Yakuza, que posteriormente dirigiría Sydney Pollack con Robert Mitchum de protagonista. Pese a ser un fracaso comercial, le haría visible ante los ojos de la nueva generación de directores de Hollywood. En 1976 escribiría el guion de la película de Brian de Palma Obsession. Ese mismo año Martin Scorsese se encargaría de dirigir su guion Taxi Driver, que ganaría la Palma de Oro en el Festival de Cannes. El binomio con Scorsese crearía las películas Raging Bull (1980), The Last Temptation of Christ (1988) y Bringing Out the Dead (1999). La larga relación profesional y de amistad con Scorsese se rompería tras esta última obra.
En 1986, Peter Weir dirigiría su guion titulado The Mosquito Coast y diez años más tarde Harold Becker haría lo propio con City Hall. El resto de sus guiones originales serían dirigidos por él mismo.
Schrader inicia su carrera como director gracias al éxito de Taxi Driver, y lo hace con Blue Collar, un drama sobre tres trabajadores que planean escapar a sus dificultades económicas cometiendo un robo. Tras un rodaje muy duro debido especialmente al difícil trato del director con los actores, la película se estrenó en 1978. Tras Blue CollarSchrader ha dirigido un total de 17 películas.
La religión (The Last Temptation of Christ, Touch, Dominion), las difíciles relaciones familiares (Affliction) y las relaciones sentimentales marcadas por la frustración sexual (Cat People, The Comfort of Strangers), el mundo de los bajos fondos (Hardcore) y las vidas al margen de la ley (Light Sleeper), los personajes autodestructivos (Taxi Driver, Raging Bull, Mishima: A Life in Four Chapters, Auto Focus) y aquellos que intentan cambiar o fingir su clase social (American Gigolo, The Walker) son algunos de los temas recurrentes en su filmografía.
FILMOGRAFÍA( SÓLO COMO GUIONISTA)
 Blue Collar (1978) (también guionista)
 Hardcore (1979) (también guionista)
 American Gigolo (1980) (también guionista)
 Cat People (1982)
 Witch Hunt (1984)
 Mishima: A Life in Four Chapters (1985) (también co-guionista)
 Light of Day (1987) (también guionista)
 Patty Hearst (1988)
 The Comfort of Strangers (1990)
 Light Sleeper (1992) (también guionista)
 Witch Hunt (1994) (TV)
 Touch (1997) (también guionista)
 Affliction (1997) (también guionista)
 Forever Mine (1999) (también guionista)
 Auto Focus (2002)
 Dominion: Prequel to The Exorcist (2005)
 The Walker (2007) (también guionista)
 Adam Resurrected (2008)
FILMOGRAFÍA( SÓLO COMO GUIONISTA)
 The Yakuza (1975)...Dirigida por Sydney Pollack (con Leonard Schrader)
 Taxi Driver (1976)...Dirigida por Martin Scorsese
 Obsession (1976)...Dirigida por Brian DePalma
 Rolling Thunder (1977)...Dirigida por John Flynn
 Old Boyfriends (1979)...Dirigida por Joan Tewkesbury (con Leonard Schrader)
 Raging Bull (1980)...Dirigida por Martin Scorsese (with Mardik Martin)
 The Mosquito Coast (1986)...dirigida por Peter Weir
 The Last Temptation of Christ (1988)...Dirigida por Martin Scorsese
 City Hall (1996)...Dirigida por Harold Becker (con Bo Goldman, Nicholas Pileggi y Ken Lipper)
 Bringing Out the Dead (1999)...Dirigida por Martin Scorsese

ACTOR PRINCIPAL: ROBERT DE NIRO
Robert De Niro (Nueva York; 17 de agosto de 1943) es un actor, director y productor estadounidense.
Ganador de dos premios Óscar, es ampliamente conocido por sus papeles de gánster y de personajes conflictivos y turbulentos, destacando sus múltiples colaboraciones con el director Martin Scorsese y por sus primeros trabajos con el director Brian De Palma.
Es considerado como uno de los actores más importantes del cine estadounidense, así como también uno de los más versátiles y camaleónicos, ya que ha interpretado personajes de toda clase de géneros, así como de terror, drama, e incluso de comedia. Sus interpretaciones más destacadas se encuentran en cintas como El Padrino II, Taxi Driver, The Deer Hunter, Toro salvaje, Érase una vez en América, Goodfellas, Despertares, Cape Fear, Casino y The Untouchables.
Con veinte años de edad, en 1963, De Niro hace su primera intervención cinematográfica junto al director Brian De Palmaen la película The Wedding Party, que sin embargo no se estrenó hasta 1969. Esta sería la primera colaboración con Brian De Palma, director con el que De Niro entablaría una gran amistad. Durante los años 60, hizo varios trabajos en el teatro, y en 1965 trabaja como extra en la película francesa Trois Chambres À Manhattan. En 1968, volvió a ser contratado por Brian De Palma e hizo su debut en el cine con la película Saludos. En 1970 también participó en una película de De Palma, ¡Hola mamá!.
A De Palma le encantaban las contribuciones que De Niro hizo junto a él en sus películas, y entonces el director sería el encargado de presentar a los demás directores a De Niro como un gran actor. Entonces gracias a su amistad con De Palma logró en el año 1973 obtener un papel en la película Muerte de un jugador, con el que ganaría cierta popularidad. En ese mismo año empezó una prolífica colaboración con el también director Martin Scorsese en la película Malas calles.
De Niro y Scorsese también cosecharon una buena relación, con la que darían fruto películas como Taxi Driver (1976), New York, New York (1977), Toro salvaje (1980), El rey de la comedia (1983), Goodfellas (1990), Cape Fear (1991) y Casino (1995).
En la mayoría de estas películas, De Niro interpretó personajes emocionalmente inestables con tendencias sociopáticas. Taxi Driveres particularmente importante, pues su actuación del personaje de Travis Bickle le valió la fama mundial, y unió para siempre el nombre de De Niro con el famoso monólogo "¿Me estás hablando a mí?".
En 1974, De Niro participó en El Padrino II, dirigida por Francis Coppola, en el papel del joven Don Vito Corleone. En la primera entrega este personaje fue interpretado por Marlon Brando y de hecho se negoció con el actor para que volviese a interpretar el papel en la segunda parte, pero debido a que tenía problemas con la productora, rechazó el papel. Su actuación le dio su primer Óscar al mejor actor de reparto. Curiosamente De Niro y Marlon Brando son los únicos actores que han ganado un Óscar interpretando al mismo personaje, Brando ya lo había ganado (aunque lo rechazó) por interpretar al viejo Vito Corleone en El Padrino. Curiosamente De Niro había audicionado para el papel de Sonny Corleone, papel tomado por el actor James Caan.
En 1976, De Niro aparece junto con Gérard Depardieu en la película de Bernardo Bertolucci, Novecento. En 1978, interpreta a Michael Vronsky, en el aclamado film sobre la guerra de Vietnam, The Deer hunter. Otra notable actuación fue en el papel del gánster judío David Aaronson en la película Érase una vez en América de Sergio Leone.
En 1980, rueda Toro salvaje. Su papel de Jake La Motta en esta película es considerada como una de las diez mejores interpretaciones de la historia del cine y la valió para ser galardonado finalmente con el Óscar al mejor actor.
Temiendo encasillarse en este tipo de personajes duros y conflictivos, De Niro empieza a hacer trabajos diferentes y ocasionalmente papeles de comedia, y donde obtuvo mucho éxito con películas como Huida a medianoche (1988), La cortina de humo (1997), Analízate (1999), La familia de mi novia(2000) y Los Fockers (2004).
Otras de sus películas son: Enamorarse (1984), La misión (1986), El corazón del ángel (1987), Despertares (1990), Sleepers(1996), y Ronin (1998). En 1993, actuó en This Boy's Life, con el aquel entonces actor infantil Leonardo DiCaprio y la actrizEllen Barkin. Alrededor de este tiempo, se le ofreció el papel de Mitch Leary en En la línea de fuego frente a Clint Eastwood, De Niro quien rechazó al papel, y quedó en manos de John Malkovich (quien recibió una nominación al Óscar por el papel), debido al compromiso de dirigir su primera película, Una historia del Bronx. Ese mismo año recibe el León de Oro especial delFestival de Venecia, por los méritos obtenidos a largo de su carrera cinematográfica.
En 1995, De Niro protagonizó en la cinta de acción policial de Michael Mann, Heat, junto con su colega y amigo de mucho tiempo, Al Pacino. El dúo atrajo la atención de los medios, ya que el talento y renombre de ambos ha sido comparado a lo largo de sus carreras. Aunque ambos Pacino y De Niro protagonizaron en El Padrino II, en aquel entonces nunca compartieron tiempo de pantalla y en Heat fueron escasas las escenas que interpretaron juntos, fomentando el falso rumor de una rivalidad profesional y personal entre ambos íconos del cine.
Volvió a unirse con Harvey Keitel y Ray Liotta, pero en esta ocasión junto con Sylvester Stallone en el drama criminal Tierra de Policías (1997). De Niro desempeñó un papel secundario, dejando los principales a Stallone, Keitel y Liotta. En 1996, interpretó a Gil Renard, un fanático loco en The Fan.
En 2000, interpretó a Leslie William "Billy" Sunday, un Suboficial alcohólico y racista en Men of honor. En 2004, De Niro prestó su voz para interpretar a "Don Lino", el villano en la película de animación Shark Tale, junto a Will Smith. También repitió su papel de Jack Byrnes en Los Fockers, y apareció en Stardust. Todas las películas aunque tuvieron moderado éxito en la taquilla, De Niro recibió críticas mixtas y fue denostado por la crítica que argumentaba que el actor había dejado de aparecer en cintas de contenido dramático y de dar las notables interpretaciones como las del pasado, inclusive fue juzgado de descuidar el material en que aparecía. Cuando se encontraba haciendo promoción para Shark Tale, De Niro dijo que era su primera experiencia prestando su voz para un animado, y recalcó que fue un momento agradable en su carrera.
De Niro tuvo que rechazar un papel en Los Infiltrados (Martin Sheen tomó el papel en su lugar) debido a los compromisos con la preparación de El buen pastor. Al respecto menciono: "Yo quería. Me gustaría haber podido, pero estaba preparando tanto El buen pastor que no tuve el tiempo necesario. Estaba tratando de hacerlo de alguna forma mientras preparaba la cinta. Simplemente no fue posible".
En 2007 volvió a trabajar como director en la cinta El buen pastor, protagonizada por Matt Damon junto con Angelina Jolie. La película también le reunió en pantalla con su amigo Joe Pesci, con quien había colaborado en Toro Salvaje, Goodfellas, Una historia del Bronx,Érase una vez en América y Casino.
En 2008 se estrenó el filme policiaco titulado Righteous Kill en el que actúa junto a Al Pacino por vez primera durante todo el largometraje.14 Al año siguiente, estelarizó el drama Todos están bien, junto a Drew Barrymore y Kate Beckinsale, la cinta es unremake del clásico de 1990 Están todos bien de Giuseppe Tornatore. En 2010, aparece en la cinta de acción Machete de Robert Rodriguez junto a un elenco encabezado por Danny Trejo, Michelle Rodríguez, Jessica Alba y Steven Seagal; aparece en Little Fockers, otra secuela de Meet the Parents y en el thriller Stone con Milla Jovovich yEdward Norton.
En 2011, De Niro aparece en la cinta de acción Killer Elite junto a Jason Statham y Clive Owen, en la adaptación de la novela Limitless junto a Bradley Cooper, y en New Year's Eve una comedia romántica dirigida por Garry Marshall. Más de tres décadas después de la cinta Novecento de Bernardo Bertolucci, De Niro estelariza en uno de los tres episodios de la cinta italiana Manuale d'amore 3, con Monica Bellucci, elaborada por el italiano Giovanni Veronesi.

1965
Trois chambres à Manhattan

1968
Saludos (Greetings)

1969
Sam's Song (The Swap, Line of Fire, y Cambalache en España, fue reeditada por el director con varios títulos)
1969
The Wedding Party

1970
Mamá sangrienta (Bloody Mama)

1970
Hola mamá (Hi, Mom)

1971
Jennifer on My Mind

1971
Nacido para triunfar (Born to Win)

1971
The Gang That Couldn't Shoot Straight

1973
Muerte de un jugador (Bang the Drum Slowly)

1973
Malas calles (Mean Streets)

1974
El Padrino II (The Godfather: Part II)

1976
Taxi Driver

1976
Novecento

1976
El último magnate (The Last Tycoon)

1977
New York, New York

1978
The Deer Hunter (El cazador)

1980
Toro salvaje (Raging Bull)

1981
Confesiones verdaderas (True Confessions)

1983
El rey de la comedia (King of Comedy)

1984
Enamorarse (Falling in Love)

1984
Érase una vez en América (Once Upon a Time in America)

1985
Brazil

1986
La misión (The Mission)

1987
Angel Heart (El corazón del ángel en España, en Hispanoamérica Corazón Satánico)

1987
Los Intocables (The Untouchables)

1988
Midnight Run (Huida a medianoche en España, en Hispanoamérica Fuga a la medianoche)

1989
Jacknife

1989
We're No Angels (Nunca fuimos ángeles en España, en Hispanoamérica No somos ángeles)

1990
Cartas a Iris (Stanley & Iris)

1990
Goodfellas (Uno de los nuestros en España, en Hispanoamérica Buenos Muchachos)

1990
Despertares (Awakenings)

1991
Culpable por sospecha (Guilty by Suspicion)

1991
Llamaradas (Backdraft)

1991
El Cabo del miedo (El cabo del miedo en España)

1992
Gente de Sunset Boulevard (Mistress)

1992
La noche y la ciudad (Night and the City)

1993
La chica del gángster

1993
Vida de este chico (This Boy's Life)

1993
Una historia del Bronx (A Bronx Tale) (Actor y director)

1994
Frankenstein de Mary Shelley (Frankenstein)

1995
Las cien y una noches (Les Cent et une nuits de Simon Cinéma)

1995
Casino

1995
Heat

1996
Fanático (The Fan)

1996
Sleepers

1996
La sangre que nos une (Marvin's Room)

1997
Cop Land

1997
La cortina de humo (Wag the Dog)

1997
Jackie Brown

1998
Grandes esperanzas (Great Expectations)

1998
Ronin

1999
Nadie es perfecto (Flawless)

1999
Una terapia peligrosa (Analyze This)

2000
Las aventuras de Rocky y Bullwinkle (The Adventures of Rocky & Bullwinkle)

2000
Hombres de honor (Men of Honor)

2000
Meet the parents (Los padres de ella)

2001
15 minutes

2001
Un golpe maestro (The Score)

2002
Showtime

2002
City by the Sea

2002
Analyze That (Otra terapia peligrosa ¡Recaída total! en España, en Hispanoamérica Analízate)

2004
El enviado

2004
El Espantatiburones (Shark Tale) (voz)

2004
Meet the Fockers (Los padres de él en España, La familia de mi novio en Hispanoamérica)

2004
El puente de San Luis Rey

2005
Hide and Seek (Mente siniestra en Hispanoamérica, El escondite en España)

2006
El Buen Pastor (The Good Shepherd)

2007
Stardust

2008
What Just Happened?

2008
Asesinato Justo (Righteous Kill)

2009
Todos están bien (Everybody's Fine)

2010
Machete

2010
Stone

2010
Little Fockers

2011
Manuale d'amore 3

2011
Limitless

2011
Killer Elite

2011
New Year's Eve

2012
RedLights

ACTRIZ PRINCIPAL: JODIE FOSTER
Alicia Christian Foster (n. 19 de noviembre de 1962), conocida como Jodie Foster, es una actriz y directora de cineestadounidense ganadora de dos Globos de Oro y dos Óscar. Estudió en el exclusivo colegio "Liceo Francés de Los Ángeles", y después en la Universidad de Yale, donde en el año 1985 se graduó magna cum laude en Literatura. Es especialmente conocida por sus interpretaciones en las películas Taxi Driver y The Silence of the Lambs (El silencio de los corderos en España, El silencio de los inocentes en Hispanoamérica).
Debutó a los dos años de edad protagonizando un anuncio de televisión de las cremas bronceadoras Coppertone. A los cuatro comenzó a actuar en series de televisión. A la edad de 13 años alcanzó su primer éxito cinematográfico en 1976con Taxi Driver de Martin Scorsese, obteniendo una nominación para los Óscar. Ese mismo año actuó además en Bugsy Malone (lo que le valió dos galardones BAFTA como mejor actriz de reparto y nueva figura prometedora)1 y Viernes alocado.
Las interpretaciones de Foster son notables, caracterizando a mujeres con fuertes cargas emocionales, confiriéndole a sus personajes un complejo perfil de emociones encontradas. Es una actriz muy poco prolífica, especialmente desde el inicio de la década del 2010, puesto que se ha interesado más por la dirección, aunque no de forma intensiva.
Las películas en las que actuó son, entre otras: Le sang des autres (C. Chabrol, 1983), The Accused (J. Kaplan, 1988; su primer Óscar), The Silence of the Lambs (El silencio de los corderos), de Jonathan Demme (1991; su segundo Óscar),Shadows and Fog (Woody Allen, 1991), Sommersby (J. Amiel, 1992), Nell (de M. Apted, 1994), Contact (de Robert Zemeckis, 1997), Anna and the King (A. Tennant, 1999) y La habitación del pánico (David Fincher, 2002).
A finales de la década de 1990 fue espaciando sus trabajos. Entre los más recientes, hay que destacar The Beaver (El castor) con Mel Gibson, y Carnage de Roman Polanski.
Se le ofreció un sueldo millonario por retomar su papel de la detective Starling de The Silence of the Lambs para la secuela Hannibal, pero al contrario que Anthony Hopkins, rechazó participar en ella; según unos, porque temía no igualar el nivel del primer filme, y según otros, porque el argumento de la continuación era demasiado truculento.[cita requerida]Años atrás, rechazó varios papeles incluyendo el de Violet en Pretty Baby. Foster lo rechazó porque no quería ser encasillada como una prostituta adolescente.
Debutó como directora con Little Man Tate en 1991. De toda su filmografía, considera que su película favorita es Nell(1994), donde comparte cartel con Liam Neeson. Ella lo afirmó en el programa de entrevistas de la comediante Ellen DeGeneres: The Ellen DeGeneres Show.
En 2008 actuó como la voz de Maggie Simpson en el capítulo "Cuatro grandes mujeres y una manicura" cuando Maggie es acusada por expresarse en un tribunal da un discurso fluido y es la primera vez que se ve a Maggie hablar así.

2011
Un Dios Salvaje (Carnage)
Papel Principal
2010
The Beaver
Meredith Black Papel Principal
2009
The Simpsons
Maggie Simpson
Voz
2008
La isla de Nim
Alexandra Rover Papel Principal
2007
Sugarland Anunciada
The Brave One
Erica Papel Principal
2006
Inside Man
Madeline White Papel Principal
2005
Flightplan
Kyle Pratt Papel Principal
2004
A Very Long Engagement
Elodie Gordes Papel Principal
2003
Abby Singer Ella misma
2002
La habitación del pánico
Meg Altman Papel Principal
The Dangerous Lives of Altar Boys
Sister Assumpta Papel Principal
1999
Anna and the King
Anna Leonowens Papel Principal
1998
The Uttmost Ella misma Papel Principal
1997
Contact
Dr. Ellie Arroway Papel Principal
1994
Nell Nell Kellty Papel Principal
1993
Sommersby
Laurel Sommersby
1992
Shadows and Fog
Prostituta Papel Principal
1991
Little Man Tate
Dede Tate Papel Principal
The Silence of the Lambs
Clarice Starling Papel Principal
1990
Catchfire
Anne Benton Papel Principal
1988
The Accused
Sarah Tobias Papel Principal
Stealing Home
Katie Chandler Papel Principal
1987
Siesta Nancy
Five Corners
Linda Papel Principal
1986
Mesmerized Victoria Thompson También co-productora
1984
Le sang des autres Hélène Bertrand
The Hotel New Hampshire Frannie Berry
1983
Svengali Zoe Alexander
1982
O'Hara's Wife Barbara O'Hara
1980
Foxes Jeanie
Carny Donna
1977
Candleshoe Casey Brown
Casotto Teresina Fedeli aka Beach House
Moi, fleur bleue Isabelle Tristan (aka Fleur bleue)
1976
The Little Girl Who Lives Down the Lane Rynn Jacobs
Freaky Friday
Annabel Andrews Papel Principal
Bugsy Malone
Tallulah
Taxi Driver
Iris Steensma Papel Principal
Echoes of a Summer Deirdre Striden aka The Last Castle
1975
The Secret Life of T.K. Dearing T.K. Dearing TV
1974
Alice Doesn't Live Here Anymore
Audrey Papel Secundario
Smile, Jenny, You're Dead Liberty Cole TV
1973
Rookie of the Year Sharon Lee TV
Alexander, Alexander Sue TV
The Addams Family Pugsley (voice) TV
Kung Fu Alethea Patricia Ingram TV
Tom Sawyer Becky Thatcher
One Little Indian Martha McIver
1972
Kansas City Bomber Rita
Napoleon and Samantha Samantha
My Sister Hank Henrietta "Hank" Bennett TV
1970
Menace on the Mountain Suellen McIver TV

DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA: MICHAEL CHAPMAN
Michael Chapman , ASC (nacido el 21 de noviembre 1935) es un cineasta estadounidense, cuya importancia debe más a su trabajo innovador de los años 1970 y 1980.
Comenzó su carrera como operador de cámara, distinguiéndose de Steven Spielberg 's Tiburón . Como director de fotografía, se hizo famoso por sus dos colaboraciones con Martin Scorsese , Taxi Driver y Toro Salvaje . Chapman también fue director de fotografía para el remake de 1978 de la invasión de los ultracuerpos .
El estilo de Chapman tiende a altos contrastes y el uso agresivo de colores fuertes. También es muy hábil para la creación de movimientos complejos de cámara rápida y la improvisación en el set. Este estilo se resume en las secuencias de boxeo en Raging Bull , en la que la cámara estaba atado a menudo a los actores a través de las plataformas improvisadas. Chapman también fue el director de fotografía principal en documentales de Scorsese El último vals.
Además de su trabajo con Scorsese, Chapman ha trabajado como director de fotografía para los directores Hal Ashby , Philip Kaufman , Martin Ritt ,Robert Towne , Michael Caton-Jones , Andrew Davis , y Ivan Reitman . De vez en cuando hace cameos en las películas que él tira. Ha dirigido varias películas, el más conocido es All the Right Moves (1983), protagonizada por Tom Cruise en una de las funciones de vanguardia que actor.
1968 Frontera Productor
1970 El arrendador
Operador de Cámara
1972 El Padrino
Operador de Cámara
1973 El último
Director de fotografía / Actor
1974 El amanecer blanco
Director de fotografía
1975 Garras
Operador de Cámara
Death Be Not Proud (TV) Director de fotografía
1976 El siguiente hombre la conspiración árabe
Director de fotografía
El Frente
Director de fotografía
Taxista
Director de fotografía
1978 El último vals (Doc)
Director de fotografía
Rey: La historia de Martin Luther King (TV) Director de fotografía
La invasión de los ladrones de cuerpos
Director de fotografía / Actor
Dedos
Director de fotografía
1979 Los Wanderers Director de fotografía
Duro
Director de fotografía
1980 Toro salvaje
Director de fotografía
1982 Personal Best
Director de fotografía
Los hombres muertos no paga
Director de fotografía
1983 El hombre con dos cerebros
Director de fotografía
La clave del éxito
Director / Director de fotografía
1986 El clan del oso cavernario
Director
El Aniquilador (TV) Director
Legal Eagles
Compositor de canciones
1987 El Lost Boys
Director de fotografía
Dorothy L. Sayers Mystery (Serie de TV) Productor
1988 Dispara a matar
Director de fotografía / Actor
Scrooged
Director de fotografía
Gotham: Los muertos no pueden Lie Director de fotografía
1989 Tercer Grado Burn (TV) Actor (Reparto)
Los Cazafantasmas 2
Director de fotografía
1990 Cambio Rápido
Director de fotografía / Actor
Poli de guardería
Director de fotografía / Actor
1991 Doc Hollywood
Director de fotografía / Actor
1992 Whipsers in the Dark
Director de fotografía
1993 Visiones de la Luz: El Arte de la Cinematografía (Doc)
Entrevistado
El fugitivo
Director de fotografía
Sol Naciente
Director de fotografía / Actor
1995 Las sagas vikingas
Director
1996 Space Jam
Director de fotografía
Cuervo Hawk Actor
Primal Fear
Director de fotografía
1998 Seis días y siete noches
Director de fotografía
1999 Historia de lo nuestro
Director de fotografía
2000 El Vigía
Director de fotografía
2001 Evolución
Director de fotografía
2004 Sospechoso cero
Director de fotografía / Actor
House of D
Director de fotografía / Actor
Elogio
Director de fotografía / Actor
2006 Ulular
Director de fotografía
2007 Un puente hacia Terabithia
Director de fotografía

COMPOSICIÓN MUSICAL: BERNANRD HERRMANN

Bernard Herrmann (Nueva York; 29 de junio de 1911 - Nueva York; 24 de diciembre de 1975); fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo, El hombre que vendió su alma (1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (Ciudadano Kane, La guerra de los mundos) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechará la mayoría de sus grandes éxitos (Vértigo, El hombre que sabía demasiado, Psicosis).

Bernard Herrmann nació en la gran metrópoli americana de Nueva York. Su padre, Abraham, era un inmigrante judío que había llegado desde Rusia para hacer fortuna en América, la tierra de las oportunidades, y que quiso inculcar a sus dos hijos, Benny y Louis, su gran afición por la música, enseñándoles a disfrutar con su gran colección de discos de ópera y conciertos sinfónicos, y regalándoles a cada uno de ellos un instrumento musical. A los ocho años deja patente su mal genio y rebeldía cuando el profesor de música le regaña y Benny le rompe el violín en su cabeza. A los 13 años queda deslumbrado por la música de Héctor Berlioz marcándole su decisión de convertirse en compositor. A los 16 años se matricula en el instituto DeWitt Clinton donde tiene como profesor musical a Gustav Heine quien le enseña las técnicas básicas de composición. En 1931 crea la New Chamber Orchestra, formación con la que realiza conciertos de música clásica; y en 1934 es contratado como director y compositor para la cadena de radio CBS, participando en algunos programas de éxito como "Columbia Workshop" y "The Mercury Theatre".

Regresa a su país en 1973 reclamado por el director Brian de Palma, un fanático del cine de Hitchcock, quien consigue recuperar el talante del compositor en "Hermanas y Fascinacion" En 1975 después de leer el guión de Taxi Driver,Martin Scorsese pensó en Herrmann como única opción posible para hacer la música de la película. El film iba a ser una especie de "gótico neoyorquino" y cineasta sabía que sólo Herrmann podía crear las sombrías sonoridades que la película precisaba. Al principio Herrmann no se mostró interesado por la idea; "no sé nada sobre taxistas" fueron sus primeras palabras, pero al leer el guión se sintió tan fascinado por el personaje que encanaba Robert De Niro, el taxista Travis Bickle, que aceptó inmediatamente.
Pero se encontró con el problema que la película exigía una partitura de corte jazzístico, estilo musical que Herrmann no dominaba, por lo que pidió ayuda a su amigo, el orquestador Christopher Palmer. Este decidió adaptar una melodía que haba compuesto Herrmann para un olvidado musical de teatro y le dio un toque musical de blues. A Herrmann le gustó tanto el arreglo, en la que el saxo describe a la perfección la soledad e incomprensión que siente el protagonista, que decidió utilizarlo como tema principal. Scorsese diría luego "Trabajar con Herrmann fue una de las experiencias más satisfactorias que tuve en el cine"
Cuando su acercamiento al inquietante jazz de Taxi Driver parecía iniciar una nueva etapa en su ya dilatado genio creativo, Herrmann fallece mientras dormía a las pocas horas de terminar la grabación de la partitura.
 1941 - Ciudadano Kane (nominado al oscar)
 1941 - El hombre que vendió su alma (Oscar a la mejor Banda Sonora Original)
 1942 - El cuarto mandamiento
 1944 - Jane Eyre
 1945 - Concierto macabro
 1946 - Ana y el rey de Siam (nominado al Oscar)
 1947 - El fantasma y la señora Muir
 1948 - Portrait of Jennie -música adicional- (el score original era de Dimitri Tiomkin)
 1951 - Ultimátum a la Tierra
 1951 - La casa de las sombras
 1952 - En tierra peligrosa
 1952 - Las nieves del Kilimanjaro
 1952 - Operación Cicerón
 1953 - La hechicera blanca
 1953 - Beneath the twelve mile reef
 1953 - The King of the Khyber Rifles
 1954 - Sinuhé, el egipcio (Con Alfred Newman)
 1954 - El jardín del diablo
 1955 - Prince of Players
 1955 - Pero ¿quién mató a Harry?
 1955 - El hombre de Kentucky
 1956 - El hombre del traje gris
 1956 - The Man Who Knew Too Much (El hombre que sabía demasiado)
 1957 - Falso culpable
 1957 - Williamsburg: La historia de un patriota (documental)
 1957 - Un sombrero lleno de lluvia
 1958 - Vértigo
 1958 - Los desnudos y los muertos
 1958 - Simbad y la princesa
 1959 - Blue Denim
 1959 - Viaje al centro de la Tierra
 1959 - Con la muerte en los talones
 1960 - Psicosis
 1960 - The 3 Worlds of Gulliver
 1961 - La isla misteriosa
 1962 - Cape Fear
 1962 - Suave es la noche
 1963 - Jasón y los Argonautas
 1963 - Los pájaros (sonidos electrónicos)
 1964 - Marnie, la ladrona
 1965 - Joy in the Morning
 1966 - Farenheit 451
 1966 - Cortina rasgada (Rechazada por otra de John Addison)
 1967 - La novia vestía de negro
 1968 - Nervios rotos
 1969 - El agujero en la pared
 1969 - La batalla del río Neretva (con Vladimir Kraus-Rajteric)
 1971 - Noche sin fin
 1971 - The Night Digger
 1972 - Las hermanas
 1974 - Está vivo
 1976 - Fascinación (nominado al Oscar)
 1976 - Taxi Driver (nominado al Oscar)
 1991 - Cape Fear (remake de la película del mismo título de 1962. Música adaptada por Elmer Bernstein)
 2003 - Kill Bill (Música seleccionada por Quentin Tarantino para la película)

PREMIOS DE "TAXI DRIVER"

Premios Óscar
Año Categoría Persona Resultado
1976 Mejor película
Candidata
1976 Mejor actor
Robert De Niro
Candidato
1976 Mejor actriz de reparto
Jodie Foster
Candidata
1976 Mejor banda sonora
Bernard Herrmann
Candidato
Premios Globo de Oro
Año Categoría Película Resultado
1976 Mejor actor - drama
Robert De Niro
Candidato
1976 Mejor guión
Paul Schrader
Candidato
Premios BAFTA
Año Categoría Persona Resultado
1976 Mejor película
Candidata
1976 Mejor director
Martin Scorsese
Candidato
1976 Mejor actor
Robert De Niro
Candidato
1976 Mejor actriz de reparto
Jodie Foster
Ganadora
1976 Mejor música origina] Bernard Herrmann
Ganador
1976 Mejor montaje
Marcia Lucas
Tom Rolf
Melvin Shapiro
Candidatos
Festival de Cine de Cannes
Año Categoría Persona Resultado
1976 Palma de Oro
Mejor película Ganadora

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Victor Daniel, desde niño se vio involucrado en los deportes debido a la preocupación de sus padres por tener un hijo sano y con buena condición física, se vio inmerso en la natación durante su niñez, llegando a participar en competencias de nivel estatal en la categoría infantil, en su adolescencia se introduce en el atletismo, llegando a obtener varias medallas y buenas marcas, deporte que deja a un lado debido a la falta de tiempo, el cual ocupaba para su formación académica. Con el paso del tiempo adquiere nuevos gustos y se interesa por nuevas cosas, como la producción de música electrónica, las fiestas y no es hasta la universidad cuando empieza a generar una nueva pasión hacia la cinematografía, consecuencia de su materia de cine donde empieza a darle más importancia al cine y a su apreciación ya que antes le era indiferente el observar películas y sólo lo hacía cuando en realidad no hallaba algo más importante que hacer, a partir de llevar como materia cine y conocer más a fondo el concepto, empieza a verse atraído por mirar más películas, apreciarlas, entenderlas, analizarlas, cuestionarlas pero sobre todo verlas desde otra perspectiva y no como simple espectador.

1. Redacta un análisis en el que tú decidas y/o propongas los tópicos a tratar con respecto a la película. De alguna manera te puedes inspirar en la metodología de Lauro Zavala, sin embargo, se espera que tú propongas los tópicos o los enriquezcas. (Cinco cuartillas , 120 renglones)

Scorsese es un cineasta sumamente reconocido, siendo los estrenos de sus películas todo un acontecimiento. Es además un gran cinéfilo, cosa que puede apreciarse en sus obras.
La filmografía de Scorsese aborda varios géneros, tales como la violencia, la locura, o la ciudad de Nueva York, características que se ven frecuentemente utilizados en sus películas.
Puntos los cuáles se pueden ver reflejados en la película ‘Taxi Driver', que narra la historia de un excombatiente en Vietnam, un hombre solitario al borde de la locura. Un combatiente que regresa trastornado, a la vez que encuentra vacía su existencia. Travis Bickle (Robert De Niro) es un hombre que vive sumido y encerrado en su soledad, él acepta un empleo como taxista, encuentra algo en qué ocuparse, algo que, de sentido a su vida y le convierte en alguien. Pero el contacto con las calles de Nueva York lo acaba transformando por completo en un psicópata, un hombre violento que no ve más forma de solucionar los males de la sociedad que pasando a la venganza gangster.
Recorriendo las noches neoyorquinas, Travis se ve envuelto a ver traficantes, rateros, rameras, drogadictos y pandilleros. En su diario, este perturbado chofer narra sus experiencias y obsesiones auxiliándose de voz en off, recurso que resulta muy útil en la estructura del film. En la película se puede observar que Travis se molesta contra todo aquello que le rodea, llevándole a una situación límite, momentos donde al espectador se le crea una confusión sobre lo que acontecerá a lo largo de la historia.

La historia se muestra lenta aunque es justificable por que la secuencia lenta sumado a la personalidad de Travis creán en la historia un ritmo lento, confuso, que da giros inesperados que hacen entretenida la historia.
En cuanto a la música Scorsese siempre tuvo en mente a Bernard Herrmannn que le da un toque muy especial al film, el director no contemplaba a nadie más para la composición, creando así el músico un melancólico blues que acompaña toda la película y el cuál se convirtió en la obra póstuma de este genio, que murió al poco tiempo de finalizar su creación. Este detalle no pasó en balde para Scorsese y los productores, que en los créditos finales guardaron un lugar especial para el compositor.
El protagonista:
Su apariencia. Travis se presenta como un sujeto raro, con una vida muy rutinaria.
Sus pensamientos. Están dominados por una idea sobre la podredumbre de la sociedad que cada vez le va creando un malestar interno mayor. Lo que comenzó siendo una opinión se va convirtiendo en una certeza que condicionará sus posteriores actuaciones.
Su vida emocional. Es plana y empobrecida y, además, teñida de una cierta tristeza.
Su vida social. Al igual que su vida emocional, es muy escasa. La soledad y la dificultad para relacionarse se ven en su día a día.
Para Travis su vida es, básicamente, insatisfactoria. Él cree conocer las causas, por lo que va buscando diferentes soluciones. Sin embargo, sus
primeros intentos a la hora de enriquecer su vida emocional y social fracasan. El "Travis persona común" tiene poco que hacer en este mundo y es por eso por lo que surge el "Travis conocedor absoluto de la verdad", el "Travis que sabe qué es lo que hay que hacer", el "Travis salvador".
Robert de Niro: este actor siempre busca meterse en los papeles que interpreta y en esta ocasión no fue la excepción ya que trabajó como taxista cuatro semanas antes de la filmación, con el fin de meterse de lleno en su papel, su actuación es notable y no deja a desear malas críticas, además este filme le hace ganar nominación como mejor actor en los Oscar, premio que le es arrebatado por Sylvester Stallone por la película de Rocky, pero hablando de taxi driver se puede ver el manejo de una personalidad de un psicópata de una manera muy bien lograda que a lo largo del filme evoluciona de sobre manera creando en la historia un final muy sangriento e inesperado.
Iris, una adolescente que ejerce la prostitución, interpretada por, Jodie Foster, con una ostensible vestimenta de meretriz que incluye pantalones cortos, tacones altos, un elegante sombrero y una colección de extravagantes gafas de sol, hacen que le dé un giro a la historia muy bueno y se genere un final sumamente sangriento.
Planos, encuadres:
Un filme, que sin duda nos muestra una cantidad de planos increíbles, el uso de los primeros planos y planos detalles bien compuestos, el uso de desenfoques creativos dando a los elementos enfocados un especial motivo narrativo; son sin duda uno de los puntos fuertes. Podríamos decir, que es una película que apenas usa planos largos, ya que en cada momento intenta introducirnos en la historia de una manera más psicológica y hacernos partícipes de cada personaje, cada diálogo etc... Pero sobre todo, los planos especialmente creativos, muchos de ellos en los que algún que otro espejo juega un gran papel, hacen de este apartado, uno de los mejores para observar y aprender.
El Guion
El guionista Paul Schrader escribió Taxi Driver mientras ocupaba el apartamento de su ex pareja días después de que ésta decidiera acabar con la relación. No es precisamente una película de desamor, pero sí que transita por los territorios comunes que en nuestras crisis personales muchas veces hemos conocido: el sentimiento de inadaptación, la desesperación, la pérdida total de sentido y del rumbo personal, la frustración, la rabia, y, ante todo, la búsqueda de un nuevo camino que purgue nuestras penas y nos haga ver la luz.

El guión se pega a la nuca del protagonista, Travis Bickle, centrando totalmente la acción dramática en lo que éste hace, decide o siente. De hecho, prácticamente en todas las escenas aparece en la pantalla implicado de una forma directa y siendo siempre el sujeto activo que dirige la trama. Dado el subjetivismo tan elevado que plantea el guión, la construcción del personaje es vital para poder desarrollar la historia coherentemente. La acción y, en consecuencia, el desarrollo argumental irá estrechamente ligado a la psicología del protagonista. Las acciones de conducta son una constante para saber cuál es la lógica del relato y poder interpretar su fondo.
El final de la película:
al contarnos el destino de los personajes de una forma rápida, condensada y concisa, pero a la vez dejando el final abierto. El director utiliza como truco algunos recortes de periódico y una carta escrita por los padres de Iris. Para éstos, Travis se transformó en un héroe vengador que les devuelve a su hija. Resulta curioso cómo una casualidad hace que Travis pase de ser un villano a héroe, pues si su frustrado asesinato al candidato hubiese tenido éxito, muy distinto habría sido su final. Así de caprichoso es el destino. En cuanto al último plano, en el que nuestro protagonista ve algo extraño en el retrovisor de su vehículo, deja bien a las claras que se ha convertido en una peligrosa arma; Travis no deja de ser un chiflado con capacidad para sembrar el terror.
Taxi Driver consiguió la célebre Palma de Oro en el Festival de Cannes, y asimismo tuvo cuatro nominaciones al Oscar: mejor película, mejor actor para Robert De Niro, mejor actriz de reparto para Jodie Foster, y mejor banda sonora para Bernard Herrmann. Ninguna de las nominaciones recibió la estatuilla (‘Rocky' fue la gran triunfadora de la noche), pero no cabe duda que la película es considerada como una buena cinta.

"Hable con ella" Pedro Almodóvar, Tonalli Orozco

Hable con ella
2002
Dirección y guion: Pedro Almodóvar
Música: Alberto Iglesias
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Javier Cámara, Leonor Watling, Darío Grandinetti, Rosario Flores, Geraldine Chaplin, Mariola Fuentes, Ana Fernández, Cecilia Roth, Paz Vega, José Sancho, Loles León, Elena Anaya, Marisa Paredes, Chus Lampreave, Fele Martínez, Lola Dueñas, Pina Bausch, Caetano Veloso, Joserra Cadiñanos, Carmen Machi, Juan Fernández, Beatriz Santiago.
Sinopsis: Hable con ella es una historia sobre la amistad entre dos hombres, la soledad, la larga convalecencia de las heridas provocadas por la pasión, la comunicación y la incomunicación de las parejas. Del como vehículo ideal en las relaciones de las personas, de cómo el cine contado en palabras detiene el tiempo y se instala en la vida de quien lo cuenta y de quien lo escucha.
Es una película sobre la alegría de narrar y sobre la palabra como arma de huir de la soledad, la enfermedad. La muerte y la locura, esa locura tan cerca a la ternura y al sentido común que no se puede diferenciar de la normalidad.

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Pedro Almodóvar

Director y guionista

Pedro Almodóvar Caballero, nacido en Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 24 de septiembre de 1949, es un director de cine, guionista y productor español, el que mayor resonancia ha logrado fuera de España en las últimas décadas. Tras varios filmes apreciados por la crítica española, se consagró mundialmente con Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988), cinta que fue nominada para el Oscar a la mejor película extranjera.
Durante los años setenta alternó ese trabajo con la grabación de cortos en súper-8 y la colaboración en diversas revistas y montajes teatrales. Eran años de gran ebullición cultural en Madrid (la llamada movida madrileña) y Almodóvar se integró plenamente en ese ambiente, formando junto con Fanny McNamara el dúo de rock Almodóvar-McNamara.
Todo ese bagaje lo puso al servicio de su primer largometraje, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, con el que en 1980 llegó al cine comercial. Era un autodidacta al que le faltaba todavía dominio de la técnica cinematográfica, pero esta primera película causó gran impacto y mostró un estilo personalísimo que fue puliéndose con Laberinto de pasiones (1982), Entre tinieblas (1983), ¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984) y Matador (1985).
Desde ¡Átame! (1989) hasta Carne trémula (1997), la obra de Almodóvar siguió moviéndose por los recovecos de la soledad, la crisis personal (femenina), la doble personalidad. Es un cine de experiencias, en donde cada personaje parece respirar a flor de piel, sin olvidar los abundantes elementos envolventes, siempre en forma de collage, que delimitan cada acción. La independencia en la producción le permitió, con los años, situar sus películas entre las más taquilleras del cine español, enfrentado a menudo a una industria que ha intentado marginarle, sin lograr socavar su posición de privilegio. Cuando los premios le fueron denegados en su propio país, obtuvo importantes y numerosos galardones en el extranjero, que se prolongaron en muestras, homenajes y seminarios universitarios en torno a su obra. Desde mediados de los años noventa, su productora ha arropado trabajos ajenos, permitiendo que algunos directores pudieran dar el salto a la gran pantalla.
Hable con ella (2002) fue elegida mejor película extranjera por la crítica estadounidense y obtuvo cinco galardones de la Academia Europea de Cine, entre ellos los tres principales, mejor película, director y guión. Al otro lado del Atlántico, recogió también el galardón de la Asociación de Críticos de Los Ángeles y el Globo de Oro a la mejor película extranjera. Sumó siete nominaciones a los premios Goya, ganó un galardón por el trabajo musical de Alberto Iglesias y, aunque la cinta no fue elegida por la Academia nacional de cine para representar a España en los Oscar como película de habla no inglesa, Hable con ella consiguió dos nominaciones absolutas, en las categorías de mejor director y mejor guión original. En su camino hacia un nuevo triunfo en Hollywood, Almodóvar recogió el premio César de la Academia francesa a la mejor película europea y dos premios Bafta del cine británico al mejor guión y película extranjera. La madrugada del 24 de marzo de 2003, el cineasta manchego logró en Los Ángeles el segundo Oscar de su carrera que, en esta ocasión, llegaba para premiar el mejor guión original del año.
Recibió también otros dos importantes galardones nacionales: el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en el 2006 y el Premio Terenci Moix en el 2007.

Filmografía
Salome (1978)
Folle... folle... fólleme Tim! (1978)
Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón (1980)
Laberinto de pasiones (1982)
Entre tinieblas (1983)
¿Qué he hecho yo para merecer esto? (1984)
Tráiler para amantes de lo prohibido (1985)
Matador (1896)
La ley del deseo (1987)
Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)
¡Átame! (1990)
Tacones lejanos (1991)
Kika (1993)
La flor de mi secreto (1995)
Carne trémula (1997)
Todo sobre mi madre (1999)
Hable con ella (2002)
La mala educación (2004)
Volver (2006)
La concejala antropófaga (2009)
Los abrazos rotos (2009)
La piel que habito (2011)

Image and video hosting by TinyPicJavier Cámara (Benigno)
Nació el 19 de enero de 1967 en Albelda de Iregua, La Rioja (España), Javier dio sus primeros pasos como intérprete representando obras teatrales en su instituto. Más tarde se trasladó a Madrid para estudiar Arte Dramático en el RESAD.
Debutó profesionalmente en el teatro a comienzos de los años 90, período en el que también inició su carrera cinematográfica bajo dirección de Fernando Colomo en la película "Rosa Rosae" (1993).
La televisión fue el medio que lanzó a la fama a Cámara, primero en el papel del Padre Ángel al lado de Andrés Pajares en la serie "¡Ay, Señor, Señor!" y más tarde como Fermín Salvador en "Periodistas" y como Paco Gimeno en la comedia "7 Vidas".
Filmografía
Rosa rosae (1993) de Fernando Colomo
alegre ma non troppo (1994) de Fernando Colomo
Pon un hombre en tu vida (1996) de Eva Lesmes
Corazón loco (1997) de Antonio del Real
Eso (1997) de Fernando Colomo
Torrente, el brazo tonto de la ley (1998) de Santiago segura
Cuarteto de la habana (1999) de Fernando Colomo
Los lobos de Washington (1999) de mariano barroso
Misión en marbella (2001) de Santiago segura
Lucía y el sexo (2001) de Julio Medem
Hable con ella (2002) de Pedro Almodóvar
Torremolinos 73 (2003) de Pablo Berger
Los abajo firmantes (2003) de Joaquín Oristrell
La mala educación (2004) de Pedro Almodóvar
La vida secreta de las palabras (2005) de Isabel Coixet
Malas temporadas (2005) de Manuel Martín Cuenca
París, je t'aime (2006) -episodio- de Isabel Coixet
Alatriste (2006) de Agustín Díaz Yanes
Ficción (2006) de Cesc Gay
La torre de suso (2007) de Tom Fernández
Fuera de carta (2008) de Nacho G. Velilla
Los girasoles ciegos (2008) de José Luis Cuerda
Que se mueran los feos (2010) de Nacho G. Velilla
¿Para qué sirve un oso? (2011) de Tom Fernández

Image and video hosting by TinyPicDarío Grandinett (Marco)
Comenzó siguiendo los pasos de su padre, empleado de la Junta Nacional de Granos en calle Mendoza y Sarmiento, como auxiliar.
Trabajó bajo la dirección del español Pedro Almodóvar en la película ganadora del Óscar al mejor guion original Hable con ella. Interpretó la parte del periodista argentino Marco Zuluaga, amigo de Benigno.
Debutó en 1984 en el filme argentino Darse cuenta proviniendo de una serie de TV, Donde pueda quererte de 1980.
Surge como actor televisivo y pasa gradualmente al cine. Su filmografía es prevalentemente argentina o de coproducciones con otros países. Su primer filme de producción extranjera fue El día que murió el silencio del "1998 boliviano". Últimamente ha trabajado en filmes españoles, participando también en series televisivas de España. Tiene tres hijos de dos matrimonios, actualmente se divorció de la actriz televisiva argentina Marisa Mondino. Es considerado uno de los mejores actores argentinos actuales.
Filmografía
Bianca (1980)
Darse cuenta (1984)
La búsqueda (1985)
Querida Salvaje (1986)
Seguridad personal (1986)
La pandilla aventurera (1990)
El oro y el barro (1992)
El lado obscuro del corazón (1992)
Apasionada (1993)
Los machos (1994)
Despabílate amor (1996)
El lado obscuro del corazón 2 (2001)
Hable con ella (2002)
Palabras encadenadas (2003)
Próxima salida (2004)
El frasco (2007)
Carne neón (2010)
Televisión por la inclusión (2011)
Tiempo de pensar (2011)

Image and video hosting by TinyPicJavier Aguirresarobe Zubía - Fotografía
Nacido en la localidad vasca de Éibar (Guipúzcoa, España) un 10 de octubre de 1948, estudió Óptica. Obtenida la diplomatura, inició estudios de Periodismo. Más tarde ingresó en la Escuela Oficial de Cine, donde coincidió con Imanol Uribe, Ángel Luis Fernández y Julio Madurga, entre otros. Se graduó en 1973.
Su primer largo fue ¿Qué hace una chica como tú en un sitio como este? de Fernando Colomo (1978). En sus inicios trabajó mucho con Imanol Uribe y Montxo Armendáriz, lo que le dio un gran reconocimiento popular en el País Vasco.
Su consagración a nivel nacional vino de la mano de Alejandro Amenábar, con el que colaboró en Los Otros y Mar Adentro. Con Mar Adentro ganadora del Óscar a la mejor película extranjera del 2005, obtuvo su sexto premio Goya como director de fotografía. Su carrera profesional está plagada de múltiples premios. Este año también un vídeo musical recopilatorio de Joaquín Sabina titulado Punto... y seguido.

Filmografía
Rumores de furia (1973)
¿Qué hace una chica como tú en un sitio como éste? (1978)
El proceso de Burgos (1979)
27 horas (1986)
Remando al viento (1986)
El bosque animado (1987)
Beltenebros (1991)
El sol del membrillo (1992)
La madre muerta (1993)
Dispara (1993)
Días contados (1994)
Antártida (1995)
El perro del hortelano (1995)
El Mundo- Secretos del corazón (1996)
La niña de tus ojos (1998)
Los otros (2001)
Los fantasmas de Goya (2006)
Vicky Cristina Barcelona (2007)
Luna nueva, Eclipse (2009)

Image and video hosting by TinyPicAlberto Iglesias Fernández-Berridi - Música
Nacido en San Sebastián, 1955, es un compositor español.
Ha escrito la música para diversas películas de cine españolas y extranjeras, muchas de ellas dirigidas por el cineasta manchego Pedro Almodóvar. Ha sido nominado en tres ocasiones a los Premios Óscar por El jardinero fiel (The Constant Gardener), Cometas en el cielo (The Kite Runner) y El topo (Tinker Tailor Soldier Spy). Ha ganado además muchos otros premios y reconocimientos nacionales e internacionales, entre los que destacan sus muy numerosos premios y nominaciones a los Premios Goya de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

Filmografía
 1980 - Paisaje cortometraje dirigido por Montxo Armendáriz
 1983 - La conquista de Albania
 1984 - La muerte de Mikel
 1992 - Vacas, dirigida por Julio Médem;
 1993 - La ardilla roja, dirigida por Julio Médem;
 1995 - La flor de mi secreto, dirigida por Pedro Almodóvar;
 1996 - Tierra, dirigida por Julio Médem;
 1997 - Carne trémula, dirigida por Pedro Almodóvar;
 1997 - La camarera del Titanic, dirigida por Bigas Luna;
 1998 - Los amantes del círculo polar, dirigida por Julio Médem;
 1999 - Todo sobre mi madre, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2001 - Lucía y el sexo, dirigida por Julio Médem;
 2002 - Hable con ella, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2002 - Pasos de baile, (The Dancer Upstairs), dirigida por John Malkovich;
 2003 - Comandante, dirigida por Oliver Stone;
 2003 - Te Doy Mis Ojos, dirigida por Iciar Bollain;
 2004 - La mala educación, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2005 - El jardinero fiel (The Constant Gardener), dirigida por Fernando Meirelles;
 2006 - Volver, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2007 - Cometas en el cielo (The Kite Runner), dirigida por Marc Forster;
 2008 - Che, dirigida por Steven Soderbergh;
 2009 - Los abrazos rotos, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2010 - También la lluvia, dirigida por Iciar Bollain;
 2011 - Le Moine, dirigida por Dominik Moll;
 2011 - La piel que habito, dirigida por Pedro Almodóvar;
 2011 - Tinker Tailor Soldier Spy, dirigida por Tomas Alfredson

Image and video hosting by TinyPicPremios "Hable con ella"
2002: Oscar: Mejor guión original. 2 nominaciones
2002: Globos de Oro: Mejor película extranjera
2002: 2 premios BAFTA: Mejor película de habla no inglesa, guión original
2002: Premio Goya: Mejor música. 7 nominaciones
2002: NBR - Asociación de Críticos Americanos: Mejor Película Extranjera
2002: Asociación de Críticos de Los Ángeles: Mejor director
2002: Cesar: Mejor película europea
2002: Nominada al David de Donatello: Mejor película extranjera

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Tonalli Orozco García nació un 18 de Diciembre en la Ciudad de México, a raíz del trabajo de su padre tuvo que aprender a adaptarse a los cambios. A la edad de 7 años se traslado a Mérida, Yucatán, donde vivió por aproximadamente dos años, ha lo largo de su vida se ha desarrollado en habilidades como la pintura, la gimnasia, la danza, y la natación, cosa que abandonó con el pasar de los años.
Desde muy pequeña le gusta divagar, profundizar, descubrir y conocer, para así aprender a diferenciar que quiere y que no quiere en la vida.
A lo largo de sus 20 años de vida ha visto de todo, en cuanto a cine se refiere, y ha aprendido a apreciar el lenguaje cinematográfico más allá de lo que simplemente se ve en pantalla lo cual le ha permitido tener gustos variados, puede disfrutar de una historia de fantasía pero definitivamente se inclina más por esas historias en las que los personajes gozan con cierta carga a desarrollar durante la trama, en el que los encuentran a tope con un cumulo de experiencias que los hacen cambiar, ser o dejar de ser, renovarse o simplemente morir. Algunos de los filmes que más le han dejado algo son: "Lucia y el Sexo" de Julio Médem, Beginners de Mike Mills, "Shutter Island" de Martin Scorsese, "The virgin suicides" de Sofia Coppola, entre otras.
Actualmente es estudiante de Comunicación en la Universidad de Cuautitlán Izcalli y está a punto de terminar su carrera.

Análisis "Hable con ella"


Hable con ella (Pedro Almodóvar, 2002) es una película que nos sumerge en la nostalgia de un hombre solitario, en la profundidad de un amor puro y desarrolla lados masculinos que hasta cierto punto no son típicos estereotipos que tenemos almacenados en la moral.
Marco (Darío Grandinetti) es un atractivo, heterosexual y solitario hombre, él ha dejado, más por tener que por querer, pero también le han abandonado, de ahí su nostalgia que dignifica a los sentimientos. En la primera escena podemos ver como se abre un telón dando entrada a una obra de teatro que sabemos, por la misma narrativa de la película, se llama "Café Muller", de repente un primer plano nos muestra a dos hombres, Marco se encuentra llorando, el hombre llora ante la belleza de lo que observa y este llanto más que restarle virilidad, nos presenta a un hombre que carga con una historia significativa, a su lado se encuentra Benigno (Javier Cámara), un hombre afeminado a consecuencia de la convivencia femenina, que lo observa como percibiendo y respetando el sentimiento.
Benigno ha adaptado conductas poco representativas dentro del género masculino y también ha mantenido cierta ingenuidad a lo largo del tiempo, en contraparte, Marco es un hombre experimentado que ha gozado del placer físico y que le hace, con respecto a esto, saber diferenciar situaciones que ante los ojos de Benigno no están del todo raras, y también a diferencia de Benigno ha descubierto que el amor... duele.
Pero Marco también ha ganado experiencias que de una u otra forma lo hacen reforzar su fortaleza y compartirla con los demás, es un personaje que tiene que ver con todos, con cada uno de ellos tiene una pisca de historia.
Ellos llegan a conocerse por la coincidencia de sus situaciones, situaciones similares pero no iguales, son acompañantes de dos mujeres, respectivamente, en estado vegetativo. De estos dos nace una amistad que en momentos puede rayar en la homosexualidad, tomando en cuenta las reglas del ‘como debe comportarse un hombre' que nos han inculcado desde tiempos inmemorables, pero que es reforzada por lo mucho que pueden brindarse uno de otro.
Los personajes de Almodóvar en "Hable con ella" son profundos, dan la impresión de tener mucho detrás y eso es precisamente, su pasado, la parte que te invita y te acoge a lo largo del guion. Este guion contado y dejándolo a la imaginación del receptor seria desarrollado con diferente tono, según las características y vivencias del mismo, pero Almodóvar nos presenta una historia inocente, una amor diferente en cuanto a forma pero no a consistencia, cambiando palabras tan agresivas como "violación" a actos llenos de naturalidad y deseo inofensivo.
Esta es una película del sentimiento masculino, las mujeres aquí están inertes, ellos son los que ahora platican y sienten ante la pasividad femenina, esta historia confronta la visión sobre el género, el sexo, la comunicación y la sexualidad.
A lo largo de planos limpios y simples se engrandece la figura femenina, se muestra fina y se trata delicadamente, se ve como objeto de deseo y cuidado, pero también se muestra lo aguerrido que puede llegar a ser el género y como en Matador (1986), retoma el tema de los toros pero ahora adjudicando por completo el tema a una mujer.
Otro tema importante a tratar dentro de la película es el importante lugar que tiene la comunicación y la incomunicación entre las personas, las palabras puede salir sin revelarnos su verdadero contenido, pero los sentimientos pueden decirnos más, las fronteras de estos son imprecisas y nos pueden llevar más allá de donde pensábamos.
Un ejemplo en la película de comunicación no efectiva entre dos seres "consientes" es el caso de Lidya (Rosario Flores) la torera y pareja de Marco (Dario Grandinetti) que no encuentra como decirle que ha regresado con su antiguo amor y que tiene planeado revelárselo el mismo día que esta cae en coma y por consecuencia no puede decirle de viva voz que han terminado.
Almodóvar retoma un tema de enfermedad mental como en ¡Átame! (1990), en el cual su protagonista prácticamente se vuelve loco de amor, con la gran diferencia de que en Hable con ella, Benigno no se vuelve loco si no ama de manera tan fiel y real que no concibe la vida, sin procurar de Alicia (Leonor Watling).

Durante el guion podemos ser testigos de un ir y venir de recuerdos que nos hacen entender más a los personajes, que nos justifican acciones y nos presentan más de ellos, por ejemplo, una constante en el trabajo de Almodóvar es la representación de historias a través de personas de clase media, ni tan pobre, ni tan ricas, ni tan locas, ni tan cuerdas, se queda en un punto medio pero que hace diferente a los personajes protagonistas.
Es muy rescatable la textura de la imagen es decir la justificación que hay en pantalla de ciertas escenas, por ejemplo, En una ocasión Benigno le cuenta Alicia que ha visto una película que lo ha dejado un poco trastornado, en realidad lo que Benigno ha querido decir es que lo ha dejado un poco excitado y que la rutina de aseo y masajes que antes veía con toda normalidad despiertan hoy en el un deseo pasional por Alicia muy grande.
Benigno le cuenta la película a Alicia y en pantalla aparece un corto en el cual una chica que es quimica (Paz Vega) intenta buscar un antídoto para bajar de peso, su novio (Fele Martínez) decide tomar el invento para demostrarle a ella cuanto la quiere, pero el antídoto no da el efecto esperado y lo reduce a un mínimo tamaño. La pareja decide dormir pero ella tiene un miedo a aplastarlo mientras descansa, por lo cual él la tranquiliza y una vez ella postrada en la cama descansando, él decide explorar las curvas de amada y amarla en lo posible, de pronto tenemos en pantalla un ángulo en picada y un cuerpo yacente y delicado, él recorre sus senos, pasea por su ombligo y finalmente llega a su sexo, decide entrar para quedarse ahí a vivir. Estas escenas no tienen ningún sentido pornográfico y al contrario realzan la inocencia con la que Benigno le cuenta a Alicia algo que está sintiendo, al querer vivir dentro de ella para siempre.
A lo largo de la película hay frases muy fuertes y que le dan sentido a la historia una de ellas se cita en el consultorio del padre de Alicia, Benigno saca una cita porque se ha enterado de que ahí vive ella y entonces el psiquiatra (padre de Alicia) le pregunta:
-"¿Por qué has venido a verme Benigno? ¿Cuál es tu problema?"
-"¡Yo ninguno!"
- "Alguno habrá para que hayas decidido venir a hablar con un psiquiatra"
-"Bueno la soledad, supongo."
Estos diálogos no hacen saber que Benigno vive en una realidad diferente, él supone que su problema es algo de lo que debería estar convencido, pero no considera caso grave su situación.
Otro diálogo que nos muestran la gran personalidad y sinceridad con la que se desarrolla Benigno es cuando está con Marco en la habitación de Alicia y Benigno le cuenta lo detallista que es con Alicia a lo que Marco le dice:
- "A mi me pasa lo contrario con Lydia, no soy capaz ni de tocarla, no reconozco su cuerpo, soy incapaz hasta de ayudarles a las enfermeras a que le den la vuelta en la cama y me siento muy mezquino"
-"Hable con ella, cuénteselo"
-"Sí ya, me gustaría pero ella no puede oírme"
-"¿Y como está tan seguro de que no nos oyen?"
-"¡Porque su cerebro está apagado Benigno!"
-"El cerebro de la mujer es un misterio y en este estado más, a las mujeres hay que tenerlas en cuenta, hablar con ellas, tener un detalle de vez en cuando, acariciarlas de pronto, recordar que existen que están vivas y que nos importan, esa es la única terapia, se lo digo por experiencia"
-"¿Y que experiencia tienes tu con las mujeres?"
-"¡Yo toda!, he vivido veinte años día y noche con una y llevo cuatro años con esta"
Aparte de que esta escena engloba diálogos que le dan nombre a la película demuestran que Benigno tiene ese lado sensible que lo hace carecer de hombría pero merecedor de razón, nos permite entender el significado de exaltar a la mujer, más aun cuando se encuentre frágil e imposibilitada.
Hable con ella es un historia de amor y de la soledad que no encuentra respuesta ante el deseo, como en toda historia de amor ha complicación, la incomunicación, la falta de repuesta, la línea entre olvidar y recordar y una gran carga de fragilidad humana, tanto física como mental.

La música transmite y en este filme más, es fuerte y se funde con la imagen en pantalla como si a cada movimiento o paso fuera saliendo de los personajes, a continuación una canción interpretada por Caetano Veloso, el cual le da un toque que convierte este tema en una melodía placentera y que se encuentra dentro de la película en una secuencia melancólica y de añoranza, "Cucurrucucu paloma".

Análisis Pulp Fiction

Eduardo tiene 23 años y es estudiante de comunicación en la universidad de Cuautitlán Izcalli, desde niño ha disfrutado del cine, su primer acercamiento fue con la película “ace ventura” y poco después con “batman forever”, desde entonces y como diría Shakespeare, quedó prendado de la magia que representa este mágico invento. Poco a poco fue definiendo gustos mas específicos, Eduardo ama el cine de acción, de superhéroes, explosiones, zombies, vampiros etc., aunque también disfruta de un buen musical romántico o una comedia tonta de vez en cuando, algo curioso es que nunca le ha gustado el cine mexicano ni el europeo, y no por ignorancia pues ha visto su buena dosis de estos filmes, quizá se deba mas bien a que cuando Eduardo ve una película espera escapar de su realidad, vivir algo que no podría experimentar en su vida diaria, simplemente el cine de arte, mexicano y extranjero son demasiado reales para él. Su película favorita es Moulin Rouge, y ama imaginar cuando ve películas, le encantan los directores Tim Burton, M. Night Shyamalan, Guillermo del Toro, Quentin Tarantino, entre otros, sus actores favoritos son Ewan McGregor, Brad Pitt, Nicole Kidman, Ellen Page, entre otros.

 

Pulp Fiction

Dirigida por Quentin Tarantino en 1994, Pulp Fiction es una película extraña, que enlaza varias historias y reúne a algunos de los actores con mayor trayectoria en Hollywood

El guión

Escrita por el mismo Tarantino, la historia esta compuesta con varias pequeñas historias que se entrelazan, como ya es su costumbre el director nos plantea un guión crudo que muestra la maldad de las personas y los límites tan delgados que puede llegar a haber en la moral de los seres humanos.

Todo empieza en un restaurant, en el que comen plácidamente dos personajes muy interesantes aunque su participación es breve: Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Amanda Plummer), dos aparentemente inocentes y amorosas personas que tienen un plan secreto de robar el restaurant, es una breve secuencia pero con un alto grado de sorpresa (al igual que el resto de la película) a partir de ahí, toda la película lleva el mismo ritmo, largos diálogos con mucha creatividad y sorpresas al doblar cada esquina.

Algo que vale la pena mencionar a profundidad son los diálogos, constantes y muy largos, aunque muy creativos, podemos apreciar discusiones muy extensas sobre temas que aparentemente no tienen nada que ver con la historia, pero poco a poco nos van dando datos importantes sobre la trama, esta es una estrategia recurrente de las películas de Tarantino, incluso llega a recordar la mítica Reservoir Dogs, que empieza con un largo diálogo acerca de la canción “like a virgin” de Madonna y si es obligatorio o no dar propina, que resulta muy entretenido aunque pareciera estar fuera de lugar, sin embargo es la forma en la que se nos presenta a los personajes, en Pulp Fiction sucede lo mismo, vemos diálogos acerca de la vida en Amsterdam, acerca del boxeo, sobre capítulos piloto de series televisivas entre muchos otros temas muy diversos, de esta forma, poco a poco, el guionista nos presenta a los personajes que protagonizaran la historia, sus miedos, sus gustos, su forma de pensar y actuar, incluso de personajes que aún no han salido a escena.

Algo curioso es que la película termina con la continuación de la secuencia con la que empezó, asi al final podemos ver la conclusión de la historia de Honey Bunny y Pumpkin y como, de forma muy sutil, también tiene que ver con todos los demás personajes de la historia, en resumen, la película termina como empieza, y cumple con su cometido de entrelazar las historias y ver hasta que grado un sucedo experimentado por una persona puede repercutir en la vida y las decisiones de los demás.

La estructura no es ABC, es mas bien como CAB, pues empezamos con el principio de la secuencia final y después vemos el principio, por momentos vemos el final de algunos personajes y luego los volvemos a ver para explicar lo que los llevó a ese lugar, la estructura no es cronológica, lo que aumenta el interés y hace mas interesante a la historia.

El director y guionista

Quentin Tarantino ha dirigido 9 películas, entre ellas Reservoir Dogs, Kill Bill, Unglorious Basterds, Death Proof entre otras, nacido en Tennessee en 1963, Tarantino nos ha acostumbrado a un tipo de cine altamente sangriento y realista, con un gran gusto por lo antiguo, lo clásico, los buenos actores y los diálogos creativos.

El título

La misma película define a la frase “Pulp Fiction” como: una revista o libro que trata temas morbosos y generalmente se imprime en papel corriente y de baja calidad.

Este título automáticamente nos hace pensar en la clase de historia que se nos presentará, llena de momentos y temas muy fuertes; drogas, sexo, violencia, asesinatos, crimen. El titulo que se le dio en español es “tiempos violentos” que de igual forma hace referencia a la violencia y la calidad de temática que se desarrollará a lo largo de la película.

Los personajes y los actores

Vincent Vega (John Travolta): un asesino a sueldo, contratado por Marsellus Wallace (Ving Rhames) un acaudalado criminal, con mucho poder dentro de Los Angeles, Vincent es arrogante y valentón, pero a la vez teme a su jefe y tiene muchos problemas para controlar su temperamento, excelente bailarín (como lo es Travolta). Vincent tiene que atravesar constantes problemas y circunstancias difíciles y no tiene un final muy grato.

Jules Winnfield (Samuel L. Jackson): compañero de Vincent, matón “filosofo” disfruta de intimidar a sus victimas antes de asesinarlas, regularmente usa un capitulo del libro de Ezequiel (la biblia) antes de matar a sus objetivos, de fuerte temperamento y, al final, ganas de cambiar y ser mejor.

Butch Coolidge (Bruce Willis): Boxeador con una larga carrera, quizá en sus últimos días, su vida se complica cuando Marsellus le paga por perder una pelea, el recibe el dinero, pero gana, pronto se ve perseguido por la gente de Wallace y al final termina saldando la cuenta y siendo perdonado, un corazón noble pero moral distraída, solo quiere ser feliz y alejarse de todo, pero las circunstancias continúan arrastrándolo hacia los problemas.

Mia Wallace (Uma Thurman): Esposa de Marsellus, adicta a la cocaína, Wallace le pide a Vincent que la cuide mientras él sale de viaje, pero la naturaleza aventurera y juguetona de la misma le traerán muchos problemas al pobre Vincent que, en todo momento, tiene las mejores intenciones hacia la muchacha.

Estos son algunos de los personajes principales, la historia gira alrededor de los mismos y los acerca constantemente, muchas veces sin que ellos mismos se den cuenta, personajes muy distintos, con personalidades muy bien definidas e interpretados de forma magistral por algunos de los grandes y mas experimentados actores de Hollywood.

La fotografía.

Andrzej Sekula (Reservoir Dogs, American Psycho), originario de Polonia, nos regala momentos memorables, entre ellos, un épico baile de John Travolta con Uma Thurman que por momentos hace sentir al espectador que forma parte del momento, pues las tomas abiertas se cojugan de forma increíble con los close ups a los rostros de los personajes y nos muestran como se vive el “twist”.

Son constantes los close ups a los rostros de los personajes mientras hablan, en ocasiones la cámara no se mueve durante varios minutos, pero no se vuelven tediosas tales escenas, pues los diálogos lo compensan de forma extraordinaria, son raros los movimientos bruscos de cámara, excepto en las escenas de pelea. También podemos apreciar algunas tomas que no son tan comunes en el cine, como cuando lo protagonistas ven objetos (una katana por ejemplo).

En general no es una película oscura, por momentos hay escenas a media luz, pero casi siempre esta bien iluminada y los eventos suceden de dia (exceptuando la sobredosis de mia).

La música

En general, la música es de los años 60`s y 70’s, de artistas como Dick Dale & His Del-Tones, Kool and the Gang, The lively ones, entre otros, y va desde el twist hasta el country, siempre muy acorde con las escenas, la canción del principio es un verdadero regalo, pues aunque es solo música (sin lyrics) nos prepara para la acción y drama que viviremos a continuación, Mia disfruta del twist y el country (igual que Tarantino), aunque en realidad la música no es parte integral de las escenas, casi siempre las escenas importantes trascurren sin música de fondo y las canciones son mas bien parte de algunos momentos, como si fueran también protagonistas de la historia y no solo un elemento para crear tensión o emociones.

La ambientación (sets y vestuario)

La historia se lleva a cabo en las calles de Los Angeles, entre cuartos de hotel descuidados, restaurants ambientados en los 70’s, departamentos que por momentos parecen vecindades, y las crudas y problemáticas calles de esta ciudad, el arte no representa un problema, pues son lugares bastante simples, con pocos elementos externos a lo que hay regularmente en las grandes ciudades.

El vestuario es muy urbano, adoc al lugar y las circunstancias, los matones usan el clásico traje negro, el boxeador anda de mezclilla y playera, etc.

Género

Es un poco difícil encasillar esta película en un solo genero, tiene elementos de cine negro, de acción, de suspenso e incluso por momentos de un humor muy negro y acido.

Edición

En general es bastante lenta, con escenas largas y secuencias cortas.

Conclusión

Estamos ante una película de poco presupuesto (8,000,000 de dólares), pero con excelentes actuaciones y dirección, muy bien lograda, y que vale la pena ver, este filme nos sumerge en los problemas y contrariedades de una sociedad acostumbrada a la violencia y el dolor, a obedecer a los poderosos y sufrir humillaciones, es una película sobre la maldad humana y las consecuencias de todos nuestros actos, Pulp Fiction nos enfrenta con la peor parte del ser humano, con la facilidad con la que cae en el pecado y hasta que punto puede permanecer impasible ante el dolor de los demás.

Ideología

Vemos diferentes ideologías, morales y caracteres, la película se interesa más en mostrar los hechos como son y como las acciones tienen consecuencias, pero en general los personajes no tienen mucha compasión, matan gente sin tocarse el corazón, venden y compran drogas y arruinan la vida de las personas que los rodean, Tarantino trata de mostrarnos el mundo como es realmente.

Premios y nominaciones

6 nominaciones al oscar incluyendo mejor película

1 premio oscar por mejor guión original

5 nominaciones a los globos de oro incluyendo mejor película

1 globo de oro por mejor guión original

6 nominaciones a los premios BAFTA incluyendo mejor película

2 premios BAFTA: mejor guión original y mejor actor de reparto (Samuel L. Jackson)

Palma de oro en el festival de cine de Cannes

3 premios de la sociedad nacional de críticos de cine incluyendo mejor película

 

"Los Edukadores"

http://www.youtube.com/watch?v=5jXFYyruByQLos Edukadores 2004
FICHA TÉCNICA
Director HANS WEINGARTNER SINOPSIS
Guión KATHARINA HELD
HANS WEINGARTNER Jan, Peter y Jule son tres jóvenes rebeldes que sueñan con cambiar el mundo. Jan y Peter se convierten en Los edukadores, los misteriosos autores de actos poéticos y no violentos con los que quieren desestabilizar y avisar a los ricos de que sus días de bonanza están contados. Pero todo se complica cuando la vulnerable Jule se enamora de los dos chicos. Una decisión imprudente acaba por ponerles en peligro. El plan no sale como estaba previsto, y lo que nunca debió ser un secuestro acaba por enfrentar a los tres jóvenes idealistas con los valores de la generación en el poder.
Fotografía MATTHIAS SCHELLENBERG
DANIELA KNAPP
Montaje DIRK OETELSHOVEN
ANDREAS WODRASCHKE
Casting SILKE KOCH, SUSE MARQUARDT
Música ANDREAS WODRASCHKE DATOS EXTRAS:
Cuando tenía veinte años era como ellos. Era un chico enfadado que gritaba "¡Revolución!", "¡Cambiemos el mundo!", Hans Weingartner.
Escribimos el papel de Peter pensando en Stipe Erceg después de verle en la película de un amigo. Daniel Brühl llegó mucho más tarde, cuando un proyecto anterior fracasó.
Productores HANS WEINGARTNER
ANTONIN SVOBODA
Título original DIE FETTEN JARE SIND VORBEI

Idioma ALEMÁN
Año 2004
Duración 126'
Formato 1'85
Sonido DOLBY DIGITAL
FICHA ARTÍSTICA
Jan: DANIEL BRÜHL
Jule: JULIA JENTSCH
Peter: STIPE ERCEG
Hardenberg: BURGHART KLAUSSNER

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Hans Weingartner
Biografía:

Nació en Feldkirch, Austria. Después de cursar estudios superiores de Física, se diplomó como ayudante de cámara de la AAC (Asociación Austriaca de Cinematografía) antes de seguir estudiando Neurología en la Universidad de Viena y Neurocirugía en la Clínica Steglitz de Berlín. En 1997 empezó sus estudios de posgrado en la KHM, la Academia de Artes de la Comunicación de Colonia. "Los edukadores" es el segundo largometraje de Hans Weingartner. Debutó de forma espectacular con "Das Weisse Rauschen", galardonada con el prestigioso Premio Max Ophuls entre muchos otros. También fue nominado al Premio al Mejor Primer Largometraje por la Asociación de Críticos de Alemania. Daniel Brühl, en el papel del joven esquizofrénico, se llevó numerosos premios a la interpretación. Filmografía:
1994 Der Dreifachstecker(Cortometraje)
1997 Split Brain(Cortometraje)
1999 Frank (Cortometraje)
2002 Das Weisse Rauschen
2004 Die fetten Jahre sind vorbei
(Los Edukadores)

KATHARINA HELD

Biografía:
Nacido en 1977 en Detmold. La Escuela en 1996 ibid. En primer lugar, más conectado con la pintura perdida. Pronto el interés en las imágenes fijas. 1997 Alibi estudiar la historia de la historia, la filosofía y el arte en la Universidad Libre de Berlín.

2000-2002 Estudió en la dffb guiónismo Filmografia:
TARDE O TEMPRANO

Co-autor: Ulrike von Ribbeck
Dirigida por: Ulrike von Ribbeck
Producción: 2007 polifónicos / ZDF

FREE RAINER

Co-autor: Hans Weingartner

Dirigida por Hans Weingartner
Producción: 2006 películas kahuuna / Coop 99 / ORF

LOS EDUKADORES

Co-autor: Hans Weingartner
Dirigida por Hans Weingartner
Producción: 2004 y3 película de Hans Weingartner Filmproduktion/coop99/SWR/arte
Alquiler: Delphi

NEGRO MADONNA

Producción: Cine senador - en la preparación

GRAN VIDA

Co-autor: Bastian Terhorst
Producción: RheinFilm / ROE / arte - en la preparación.

Daniel Brühl

Biografia:
El realizador Hanno Brühl conoció durante su estancia en España a su mujer. Instalados en Alemania tuvieron su primer hijo. El 16 de junio de 1978nació Daniel Brühl, en Barcelona. A las pocas semanas su familia se mudó a Colonia, aunque todos los veranos volverían a España. Muchos de esos veranos los pasó en Pratdip, en Tarragona.
De mayor, Daniel se enfrentó a su padre al comunicarle que quería ser actor, profesión que compaginó con la de cantante de la banda Purge. De esta manera a finales de los años noventa participó en diversos títulos que le abrieron el paso en el cine alemán.
En 2001 inició el rodaje de Nichts bereuen, cuyo director sugirió el nombre de Jessica Schwarz para el principal papel femenino. Daniel se enfadó con la decisión porque la actriz era conocida por haber sido previamente la presentadora de un programa de televisión. Cuando la vio trabajar, se enamoró de ella y se convirtió en su novio.
En 2002 incrementó su popularidad al protagonizar Vaya con Dios. Empero, al año siguiente esa fama se incrementó al encabezar la plantilla de actores de la película Good Bye, Lenin! (Wolfgang Becker), una comedia en la que un joven (Alex) oculta a su madre recién despertada de un coma que el Muro de Berlín ha caído y con él todas las ideas en las que ella creía. A través de los noticiarios que montan Alex y su amigo Dennis para la enferma, el realizador realiza una crítica llena de ironía de la Alemania comunista, a la vez que hace un elogio de la familia. La película se convirtió en un fenómeno social.
Daniel ganó el premio al Mejor actor de la Academia de Cine de Alemania. Meses más tarde cosechó el premio de la Academia de Cine Europeo así como el galardón del público. Tras la ceremonia declaró su interés por trabajar con Julio Médem y Fernando León de Aranoa. Meses después acudió a la entrega de los Premios Sant Jordi. Por estas razones Daniel pasó a formar parte de la promoción Shooting Star de 2002, cuyo objetivo es promocionar a nuevos actores europeos. Filmografia:
Año Película Director
2000 Deeply
Jay
2001 Das Weisse Rauschen
Hans Weingartner

2001 Nichts bereuen
Benjamin Quabeck

2002 Elefantenherz
Marko Stemper

2002 Vaya con Díos
Zoltan Spirandelli

2003 Good Bye, Lenin!
Wolfgang Becker

2004 Was nützt die liebe in Gedanken
Achim Von Borries

2004 Los edukadores
Hans Weingartner

2004 La última primavera
Charles Dance

2005 Feliz navidad
Christian Carion

2005 La última primavera
Charles Dance

2006 Salvador
Manuel Huerga

2006 Ein Freund von mir
Sebastian Schipper

2006 Cargo
Clive Gordon

2007 In Transit
Sergei Astakhov

2007 Dos días en París
Julie Delpy

2007 El ultimátum de Bourne
Paul Greengrass

2008 Krabat y el molino del diablo
Tonda

2008 Un poco de Chocolate
Aitzol Aramaio

2008 John Rabe
Florian Gallenberger

2008 Las Madres de Elna
Manuel Huerga

2008 The Countess
Julie Delpy

2008 Angel Makers
Jon Amiel

2009 Inglourious Basterds
Quentin Tarantino

2011 EVA
Kike Maíllo

2011 Intruders
Juan Carlos Fresnadillo

Julia Jentsch
Biografia:
Nacida en el seno de una familia de abogados, fue al instituto Wald-Oberschule de Berlin-Charlottenburg. Allí aprendió remo, balonmano y judo y en 1997se examinó del Abitur (examen de Selectividad). Después recibió educación de interpretación en la Escuela Superior de Artes Escénicas Ernst Buschde Berlín. Su primer contrato, todavía sin haber entrado en dicha escuela, la llevó al escenario de la Freie Bühne Witzleben. Posteriormente se subiría también a las tablas del teatro Maxim Gorki de Berlín y de la Münchner Kammerspiele muniquesa, a cuya compañía teatral pertenece desde 2001. En2004 interpretó allí los papeles principales de las obras Antígona, Los nibelungos y El decálogo.
La actriz, de 1,65 metros de estatura, se hizo conocida al gran público por el papel protagonista femenino de la película Los edukadores (Die fetten Jahre sind vorbei), en la que también trabajaba Daniel Brühl, y que fue galardonada con el premio del jurado del Festival de Cannes de 2004. En 2005, Julia Jentsch recibió por su interpretación de Sophie Scholl en la película Sophie Scholl - Los últimos días de Marc Rothemund los siguientes galardones como mejor actriz protagonista: el Oso de Plata del Festival Internacional de Cine de Berlín, el premio "Lola" (Deutscher Filmpreis, premio de cine más importante de Alemania) y el Premio del cine europeo. Dicha cinta fue además nominada para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Filmografia:
 1999 - Zornige Küsse (Angry Kisses) - Dirección: Judith Kennel (con Jürgen Vogel y Maria Simon)
 2001 - Julietta - Dirección: Christoph Stark (con Lavinia Wilson y Sibylle Canonica)
 2001 - Mein Bruder, der Vampir (Título internacional: Getting My Brother Laid) - Dirección: Sven Taddicken (con Roman Knizka)
 2004 - Tatort (Escena del crimen) (TV) - Dirección: Jürgen Bretzinger (con Eva Mattes y Lena Stolze)
 2004 - Los edukadores (Die fetten Jahre sind vorbei) - Dirección: Hans Weingartner (con Daniel Brühl)
 2004 - El hundimiento - Dirección: Oliver Hirschbiegel (con Bruno Ganz y Alexandra Maria Lara)
 2005 - País de nieve (Schneeland) - Dirección: Hans W. Geißendörfer (con Thomas Kretschmann, Maria Schrader y Ulrich Mühe)
 2005 - Sophie Scholl - Los últimos días - Dirección: Marc Rothemund - Julia Jentsch en el papel de Sophie Scholl
 2006 - Yo serví al rey de Inglaterra (Obsluhoval jsem anglického krále) - Dirección: Jiří Menzel - como Lisa Dítě
 2007 - Frühstück mit einer Unbekannten

MATTHIAS SCHELLENBERG
Biografia:
Estudió en la Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia, Grado: Diplomado en el grupo de sujetos de Cine y Televisión (1997 - 2002)
Formación de E, la Agencia para Productos Multimedia (1996)
Estudió arquitectura en Aquisgrán (1991 - 1995) Filmografia:
2010 Marxism Today cine
Producción: Producciones Shady carril
Dirigida por Phil Collins
Documental de creación, en cooperación con el sexto Berlin Biennale
2008 fuera del cine LAGO
Producido por: Ojo de la Mente GmbH Medios de Comunicación
Director: Félix Fuchssteiner
Premio Joven Cine Alemán "Mejor Producción" (2009)
LOVE SONG ZDF
Producción: Flying Moon Filmproduktion
Director: Anne Høegh Krohn
2007 LOS HEROES DE LA cine de barrio
Producción: héroes de película, Jovan Arsenic y hasta el de Rothmund
Director: Jovan Arsenic
Perspectiva de Cine Alemán, Berlín (2008)
ENTRE LA LOCURA Y LAS ARTES
Colección Prinzhorn
Producción: Gebrueder de producción de cine beetz
Dirigida por Christian Beetz
Documental
Premio Adolf Grimme (2008)
AMARGO película Sweet Nothing corto 2006
Producción: Cine delito
Director: Anna Lena Duken
A CODO Cine
Producción: elemento de correo
Director: Justus von Dohnanyi
LA MISIÓN DEL RATÓN EN LA MENTIRA Producción Mundial: Datenstrudel
Director: Jacob Huefner + Jörn Hinze
Ir a lo seguro? ZDF
Producción: Kinoherz
Director: David Dietl
Studio Hamburg Premio Revelación, "Mejor Película de Ficción" (2008)
2005 MEDIDAS DE MEJORA DEL MUNDO Cine
Producción: Datenstrudel
Director: Jacob Huefner + Jörn Hinzer
Episodio: seguro de salud privado
Perspectiva de Cine Alemán, Berlín (2005)
El cine método austriaco
Producción: Tobby Holzinger coproducida por Claussen + Wöbke
Dirigida por F. Boeder, E. von Möller, Tavakoli A., Lucas G., P. Bösenberg
Hof Film Festival (2006)
Todo el cine la tarde del Día
Producción: Cine 1
Director: Andreas Schimmelbusch
LA LITERATURA EN EL LOBBY DEL ROE
Director: Alexander Wasner
3 Folgen2003-2004 Los Edukadores Cine
Producción: y3 cine
Dirigida por Hans Weingartner
Premio del Cine Alemán en plata (2005)
Competencia Oficial de Cannes (2004)
Premio de los Críticos de Cine Alemana Mejor Película '(2004)
Camerimage, en Lodz, nominado al Golden Frog mejor "
Cinematografía "(2004)
2002 COCODRILO Cine
Producción: LUNA-Cine
Director: Enders Sylke
Premio del Cine Alemán en plata (2004)
Rand Group cortometraje
Producción: Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia
Director: Alexander Tavakoli
Producción INICIO: Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia
Director del Postgrado de cine
2001 DE LA BOLSA cortometraje
Producción: Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia
Dirigido y editado por
LUCHA CONTRA EL ME 2000 de Cortometrajes
Producción: Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia
Escrita y dirigida por
El cine RUIDO BLANCO
Producción: y3 cine
Dirigida por Hans Weingartner
Cámara y Co-Autor
Premio Max Ophüls, Saarbrücken (2002)
Cine Alemán nominación a los premios de "Mejor Película" (2002)
Premio de los Críticos de Cine de Cine Alemán de mejor opera prima "(2002)
Nominación para el Premio Cámara Alemana (2001)
Premios Primeros Pasos (2001)
1999 99 de Lieja velocidad de la película
Producción: Academia de las Artes Audiovisuales, Colonia
Escrita, dirigida, cámara y edición

DANIELA KNAPP
Biografia:
Daniela Knapp was born 1972 in the Tyrol. From 1992, she studied at the Zelig Film & TV Academy in Bolzano, following which she took up photography at the Baden-Württemberg Film Academy in Ludwigsburg. For the inventive camera work to Sven Taddicken's Mein Bruder der Vampire (My Brother the Vampire), she received in 2001 the Eastman Award at the International Hof Film Festival as well as Best Cinematography Award at the Brooklyn Film Festival in New York. She is renowned for her self-assurance, her hard work and her ability to remain creative and keep to budget. Emmas Glück (Emma's Bliss) was shown on the German cinema circuit in 2006, gaining numerous prizes around the world. Was am Ende zählt (Nothing Else Matters) won the German Film Award in 2009. Filmografia:
Director de fotografía:
• En Producción
• 2010s
• 2000s
• 1990s
1. Monte Piano (2013) (pre-producción)
2. Edeltraud und Theodor (2011)
3. Eine Insel namens Udo (2011)
4. Das System - Alles verstehen heißt alles verzeihen (2011)
5. Poll (2010)
... tcc "Los diarios de Poll" - Argentina (imdb display title)
6. 12 Meter ohne Kopf (2009)
7. Finnischer Tango (2008)
8. Tandoori Love (2008)
... tcc "Amor Tandoori" - Argentina
9. 1. Mai (2008)
10. Sunny (2007)
11. Wir werden uns wiederseh'n (2007)
12. Was am Ende zählt (2007)
13. La suerte de Emma (2006)
... tcc "Emmas Glück" - Alemania (título original)
... tcc "Emma, la afortunada" - Argentina (título del festival)
14. Spielerfrauen (2006)
15. Nein! Doch! Nein! (2005)
16. Weltverbesserungsmaßnahmen (2005)
17. Freundinnen (2005)
18. Romeo & Julia und die neue Weltordnung (2004)
19. Feuer in der Nacht (2004) (TV)
20. Bin ich sexy? (2004)
21. Los edukadores (2004)
... tcc "Die fetten Jahre sind vorbei" - Alemania (título original)
22. Ich hätt's ihm früher sagen sollen... (2003)
23. Lucie & Vera (2003)
24. Einfach so bleiben (2002)
25. Mein Bruder, der Vampir (2001)
... tcc "Mi hermano, el vampiro" - Argentina (imdb display title)
26. Fast Fuck (2001)
27. Schäfchen zählen (2000)
28. Walpurgisnacht (2000)
29. El cordobés (1999)
30. Flucht (1996)
Cámara y Departamento Eléctrico:
• 2000s
• 1990s
1. Heimkehr (2004) (operador de cámara: segunda unidad)
2. Knockin' on Heaven's Door (Llamando a las puertas) (1997) (asistente de cámara)
... tcc "Knockin' on Heaven's Door" - Alemania (título original)
... tcc "Golpeando las puertas del cielo" - Argentina
3. Der Pakt - Wenn Kinder töten (1996) (TV) (asistente de cámara)
Editor:
1. El cordobés (1999)
2. Flucht (1996)
Departamento de Arte:
1. Nach Fünf im Urwald (1995) (departamento artístico) (property manager)

Biografia:
Filmografia:

Dr. Alemán
Dirigida por Tom Schreiber - próximamente
Montador

Kriegerin
Dirigida por David Wnendt - Producida en 2011
Montador

12 Meter ohne Kopf
Dirigida por Sven Taddicken - Estrenada en 2009
Montador jefe

La suerte de Emma
Dirigida por Sven Taddicken - Estrenada en 2007
Montador

Elefantenherz
Dirigida por Züli Aladağ - Producida en 2002
Montador

Das weiße Rauschen
Dirigida por Hans Weingartner - Producida en 2002
Montador

Premios Obtenidos:
Fue nominada a la Palma de Oro como mejor película de 2004 en el Festival de Cine de Cannes.

Francisco Fernando Arroyo Medina, actual estudiante de la carrera de Ciencias de la comunicación en la "Universidad de Cuautitlán Izcalli" y mesero en el restaurante "La Parroquia", es un hombre de 22 años nacido en el Distrito Federal amante de las películas de drama y arte; desde pequeño radico en el Estado de México, desde niño mostro una alegría ante los demás, con ello sus gustos fueron avanzando con películas como "Los Edukadores", "Paris te amo" y "V de venganza".
A la edad de 13 años desarrollo sus habilidades como tenista y danza de salón, al término de sus estudios de secundaria entro a la Universidad del Valle de México donde cumplió con varios proyectos dentro de la escuela incluido la participación del concurso interlinces de ingles.
A la edad de 20 años declaro abiertamente su homosexualidad, desarrollo conciencia de su mundo y comenzó a ayudar a una institución de asistencia pública llamada "Angelitos de Cristal", ahí cooperando con un grupo juntaron 1 millón de pesos para la casa y hasta ahora aunque no ayude directamente sigue teniendo contacto con los niños de cristal.
Actualmente genera recursos para ser independiente económicamente y poder trasladarse al área centro del D.F.

Los Edukadores

Una película de critica social y utópica en donde Hans Weingartner nos muestra todo menos la realidad, un mundo rebelde regresando al año 1968, donde el mundo de las ideas se mezcla perfectamente con un nuevo orden social, la conciencia y la razón son premisa para obtener objetivos generales, el bien común en una comunidad reducida a tres personas.

Experiencia del espectador:
No existió en este país una distribución adecuada de la película ya que solo se presentaba en salas de cine dedicadas al cine de arte y cine no comercial. Por ende la publicidad fue reducida por los alcances de la región, ya que maneja un lenguaje peculiar y la temática no es de acuerdo a las acostumbradas presentadas por el país vecino.

Título:
A simple vista genera un discurso mental acerca de una película con tintes de drama y con un fin social que dejará mucho que pensar.
Conjuntamente con la temática responde a la problemática educacional, en la programación del sistema capitalista maneja en la población y como se confronta con los ideales de los personajes principales.
"Jan y Peter son "edukadores", entran en las casas de los ricos y recolocan las posesiones de sus dueños. No roban nada, no hacen daño a nadie. Pero atacan la vida de otras personas. Allá donde van, generan el caos, pero es un caos con sentido. "Edukar" es una forma divertida de vengarse de los ricos. Jan y Peter son activistas y llevan a la práctica una forma de resistencia poética", Hans Weingartner
Presentación de Créditos:
Conforme a este punto la presentación en bastante rápida, la creación de un mundo normal, unos chavos disfrutando de la noche en las calles de Alemania, una familia de posición alta que encuentra su casa deshecha con los muebles ubicados en zonas impensables, la llegada de Jan (Daniel Brühl) a la casa de su amigo y cómplice Peter (Stipe Erceg).

Diseño tipográfico:
La forma de las letras es un recurso que se muestra al principio de la película, con la frase "Cada corazón es una célula revolucionaria", con pintura roja, al igual que los colores de los revolucionarios socialistas.

Clímax y resolución del conflicto:

Planteemos el problema principal:
Jule tiene un accidente en donde destruye el carro de un rico empresario llamado Hardenberg (Burghart Klaussner), ella tiene que pagar los daños que hacienden a 100000 euros, de los cuales lleva 94,500. Su novio, Peter (Stipe Erceg), que lleva una sociedad secreta llamada "Los Edukadores" junto con Jan (Daniel Brühl) vana casas de personas con un nivel económico alto y cambian los muebles de lugar de maneras inimaginables a la vez que dejan una carta que dice "Los estamos observando".
Un dia Jule va con ellos, sin saber que es la casa de Hardenberg genera destrozos, avienta un sillón a la piscina, cuando el dueño de la propiedad llega ve la cara de ella, Peter sin saber que hacer le pega en la nuca y lo deja inconsciente, durante este tiempo los tres deciden llevárselo de ahí ya que si lo dejan ir existe la posibilidad de terminar en la cárcel.
Por amistades encuentran una cabaña en el bosque donde los cuatro tienen una reflexión exhaustiva acerca de lo que pasa en el mundo, como son afectados por las normas sociales y la opresión de los sueños ante la sociedad.
Jule y Jan tienen un romance, que culmina con una relación sexual a lo cual Pete se entera y genera un conflicto en la pequeña agrupación. Al final dejan ir al viejo ex revolucionario y comienzan su viaje a España donde no puedan encontrarlos, pero Hardenberg no cumple la parte del trato y son arrestados.

"Los edukadores" maneja un doble significado, existe la forma revolucionaria donde el termino queda asentado en la utopia de un mundo cambiante, citando a Hans Weingartner "resistencia política" y la otra parte se basa en este modelo pero del punto de vista represor, en donde se podría manejar una re-educación, en la que las ideas plasmadas de estos tres personajes quedan como ideales inverosímiles y se aplica la sublimación de estas.

Imágenes:
Con la idea de una melancolía acerca de 1968, las imágenes pueden llegar sublimemente frías, hasta tonos combinados, composiciones simples y frescas, sin complicaciones en retoques.

Perspectiva de la cámara:
Al igual que las imágenes los movimientos van avanzando como a la película, con ritmos rápidos, fríos y cerrados en el momento en que están en la ciudad; cambia al momento en que se encuentran en el bosque con movimientos lentos, tomas abiertas para ver el esplendor de la naturaleza como una forma de regresar a lo básico y tangible.

Relación del sonido con la imagen:
La película se maneja con tintes dramáticos continuamente aunque maneja uan narrativa que conlleva un discurso más analítico, lo interesante de todo esto es que el sonido es mas vivo que eso, llevándonos a otro nivel. Los ritmos visuales van conjuntamente con el audio, pero además de que no tiene una carga de importancia amplia, se maneja un soundtrack con muchos matices y genera bastantes sentimientos.

Función de los silencios
Los momentos dramáticos y de análisis son marcados por esta pauta, con el ritmo que la cinta lleva, las pausas narrativas van creciendo con forme se llega a las locaciones mas sencillas en el bosque, aun cuando se presenta el problema del trio amoroso, no cambia este ritmo.

Transiciones:
La historia va avanzando con varios flashbacks, pero estos no son visuales, ya que la carga en la secuencia dramática esta en los diálogos de los 4 actores, las transiciones son rítmicas y sin cambios (A, B, C...)

Dirección de Arte:

En esta parte Daniela Knapp muestra dentro de lo dramatica que puede ser la historia un escenario que va con la critica social, con compuestos simples como la cabaña en una pradera o elementos plásticos y fríos como la casa de Hardenberg.

Actuación:
Lo dividiremos por actor ya que solo se manejan cuatro personajes:

Daniel Brühl:
Un actor de calidad con experiencia cinematográfica, es indudable que el se merecía ese papel, incluso le queda chico ya que su capacidad histriónica cabe de más.

Julia Jentsch:
Como actriz de teatro maneja otro tipo de gestos, no hizo mal papel pero no genera ninguna admiracion, ningun aporte a la pelicula

Stipe Erceg:
Por la carga emocional en que se enreda este personaje deja cierta incognita sobre sus reacciones, además de su forma de reaccionar ante los problemas es violenta e impredecible.

Burghart Klaussner:
Su personaje es un hombre conocedor, usa sus memorias y experiencias para doblegar a los jóvenes revolucionarios a dejarlo ir, no mantiene una actuación muy superior, ya que no deja ver mas haya de lo que quiere que los demás sepan de el.

Estructura Narrativa:
En si toda la película invita a reflexionar sobre el sistema que mantenemos, cuestiona la estructura capitalista por las deficiencias que tiene y el climax se maneja desde este punto, la decisión si dejarlo ir aunque esto signifique ir a la cárcel mantenerlo cautivo.
No es una historia para disfrutar, para ver en una tarde de domingo, es para reflexionar, verla mas de una vez para entender sus elementos y la visión que arma con sus diferentes elementos.

Genero y Estilo: Drama.

Intertextualidad:

Relaciones intertextuales implícitas:
No existen, solo leves comparaciones que podríamos hacer con películas anteriores pero no es la misma temática como "¡Goodbye, Lenin!" o "Los Soñadores".

Relaciones intertextuales explicitas:
Las citas textuales son muy importantes en el desarrollo de la historia, tanto marxistas como pequeñas frases que se repiten a lo largo de toda la historia.

Conclusión:
El guion cumple sus funciones al 100% si existe una polémica, una trama que desde el principio atrae, la historia es buena y su desarrollo también, los amplios espacios o diálogos muy extensos suelen aburrir al publico, las tomas un poco simples ayudan a esto también, sin dejar de ver las actuaciones que dejando a parte lo ya dicho, generan la película en general por la forma del guion.

Análisis Cinematográfico de "Labyrinth" Gabriela Campos

<p>http://www.youtube.com/watch?v=oNj7bLPL2I4</p>

Labyrinth

Título

Laberinto o Dentro del Laberinto

Ficha técnica

Dirección

Jim Henson

Producción

Eric Rattray

Guion

Terry Jones

Música

Trevor Jones
David Bowie

Fotografía

Alex Thomson

Protagonistas

Jennifer Connelly
David Bowie
Toby Froud
Shelley Thompson
Christopher Malcolm
Brian Henson
Ron Mueck
David Shaughnessy
Frank Oz

Datos y cifras

País(es)

Estados Unidos

Año

1986

Género

Fantasía

Duración

136 minutos

Guionista

Terry Jones nació el 1 de febrero de 1942 en la Bahía de Colwyn, en el norte del Gales (es uno de los dos miembros Monty Python no ingleses, junto con Terry Gilliam). Realizó estudios de inglés en la Universidad de Oxford. Ha sido a lo largo de su vida actor, director, guionista y compositor de las películas del grupo y fuera de él.

Recordado por sus papeles de mujer acompañado de la voz chillona que hacía. En la tercera serie de Monty Python's Flying Circus, interpretaba innumerables papeles, como juez, masón, el hombre que hacía reír a todo el mundo, y las inolvidables escenas de milisegundos en las que aparecía tocando desnudo el piano. Fue la divertidísima madre de Brian en La vida de Brian, film que dirigió él mismo. Llevó a cabo también Los caballeros de la mesa cuadrada, éste último trabajando en cooperación con Terry Gilliam. Después de la disolución del grupo se dedicó, principalmente, a la televisión, como guionista y presentador incluso llegó a dirigir un episodio de la serie Las aventuras del joven Indiana Jones. También fue guionista de la película de Jim Henson, Dentro del laberinto.

Filmografía (como director)

  • Los caballeros de la mesa cuadrada (1974)
  • La vida de Brian (1979)
  • El sentido de la vida (1983)
  • Servicios muy personales (1987)
  • Erik el vikingo (1989)
  • Viento en los sauces (1996)

Musicalización

Trevor Alfred Charles Jones (23 de marzo de 1949, Ciudad del Cabo, República de Sudáfrica) es un compositor de música para cine que se hizo célebre a raíz de su trabajo para la película El Último Mohicano (Michael Mann, 1992). También puso música a En el nombre del padre (Jim Sheridan, 1993), una banda sonora en la que también aparecen temas de Bono, O'connor, Bob Marley y Jimi Hendrix. Aunque Trevor Jones nació en Ciudad del Cabo, su obra es deudora de la educación recibida en el Reino Unido. A los 17 años obtuvo una beca para cursar estudios en la Royal Academy of Music, trasladándose a Londres en 1976. Allí estudiaría piano, órgano y composición musical.

A punto de expirar su permiso para permanecer en Gran Bretaña, Trevor Jones decidió solicitar la nacionalidad británica. Siguió sus estudios a partir de 1974 en la York University, graduándose en Film y Media Music. Más tarde ingresó en la National Film and Television School.

Aprovechó los últimos años de sus estudios para introducirse en el mundo de la producción, dirección y fotografía en películas y telefilmes, sin dejar de lado la composición musical.

Filmografía como compositor

1998

  • Dark City (1998)
  • Desperate Measures (1998)
  • Merlin TV (1998)
  • The Mighty (1998)
  • Talk of Angels (1998)

1999

  • Cleopatra TV (1999)
  • Notting Hill (1999)
  • Titanic Town (1999)

2000

  • Molly (2000)
  • The Long Run (2000)
  • Thirteen Days (2000)
  • The Last Of The Mohicans (reedición dirigida en 2000 por Joel Mc Neely)

2001

  • Frederic Wilde (2001)
  • To End All Wars (2001)
  • From Hell (2001)

2002

  • Dinotopia TV (2002)
  • CrossRoads (2002)

2003

  • I'll Be There (2003)
  • The Dark Crystal (1982)

Musicalización

Nombre real David Robert Jones

Nacimiento 8 de enero de 1947 (65 años)

Origen Brixton, Londres, Reino Unido

Cónyuge Angela Barnett (1969-1980)
Iman
(1992-) Hijos Duncan Jones
Alexandria Zahra Jones

Ocupación Músico, productor, compositor, arreglista

Información artística

Otros nombres Ziggy Stardust, The Thin White Duke, The Halloween Jack , Aladdin Sane.

Período de actividad 1964 - presente

Discográfica(s) Deram, RCA, Rykodisc, Virgin, EMI, ISO, Columbia, BMG, Parlophone, Pye, Hanso

Artistas relacionados The Riot Squad, Tin Machine Web

Sitio web www.davidbowie.com David Bowie .

Como músico

  • Ziggy Stardust and the Spiders from Mars: The Motion Picture (1983) (VHS, DVD en 2003)
  • Love You Till Tuesday (1984) (VHS, DVD en 2005)
  • Serious Moonlight (1984) (VHS, DVD no oficial en 1999, DVD oficial en 2006)
  • Glass Spider (1988) (VHS, DVD no oficial llamado Glass Spider Tour en 2001, DVD oficial en 2007)
  • Bowie - The Video Collection (1993) (VHS)
  • Black Tie White Noise (1993) (VHS, DVD en 2005)
  • Best of Bowie (2002) (DVD)
  • A Reality Tour (2004) (DVD)

Como productor

  • Büvös vadász (1994) (acreditado a Magic Hunter)
  • Passaggio per il paradiso (1998) (acreditado a Gentle Into the Night, ... acreditado a Passage to Paradise)
  • Scott Walker: 30 Century Man (2006)

Protagonistas principales

Nombre real Jennifer Lynn Connelly

Nacimiento Catskill Mountains, Nueva York, Estados Unidos
12 de diciembre de 1970 (41 años)

Ocupación Actriz

Características físicas Estatura 1.71 metros

Familia Pareja Billy Campbell (1991-1996)
David Dugan
(1996-1997)
Josh Charles
(1999-2002)
Paul Bettany
(2002-)

Premios Premios Óscar Mejor actriz de reparto


2001 A Beautiful Mind Globos de Oro Mejor actriz de reparto
2002 A Beautiful Mind Premios BAFTA Mejor actriz de reparto
2001 A Beautiful Mind Ficha en IMDb

Filmografía

Año

Título original

Título en España

Título en Hispanoamérica

Personaje

2011

The Dilemma

¡Qué dilema!

-

Beth

2011

Salvation Boulevard

-

-

Gwen Vanderveer

2010

What's Wrong with Virginia

-

-

Virginia

2009

Creation

-

-

Emma Darwin

2009

9

9

Numero 9

7

2009

He's Just Not That Into You

¿Qué les pasa a los hombres?

Simplemente no te quiere

Jenine

2008

The Day the Earth Stood Still

Ultimátum a la Tierra

El día que la Tierra se detuvo

Helen Benson

2008

Reservation Road

Un cruce en el destino

-

Grace Learner

2006

Blood Diamond

Diamante de sangre

Diamante de sangre

Maddy Bowen

2006

Little Children

Juegos secretos

Secretos íntimos

Kathy Adamson

2005

Dark Water

La huella (Dark Water)

Agua turbia

Dahlia Williams

Protagonistas principales

Datos generales Nombre real David Robert Jones

Nacimiento 8 de enero de 1947 (65 años)

Origen Brixton, Londres, Reino Unido

Cónyuge Angela Barnett (1969-1980)
Iman
(1992-) Hijos Duncan Jones
Alexandria Zahra Jones

Ocupación Músico, productor, compositor, arreglista

Información artística

Otros nombres Ziggy Stardust, The Thin White Duke, The Halloween Jack , Aladdin San.

Período de actividad 1964 - presente

Discográfica(s) Deram, RCA, Rykodisc, Virgin, EMI, ISO, Columbia, BMG, Parlophone, Pye, Hanso

Artistas relacionados The Riot Squad, Tin Machine Web

Sitio web www.davidbowie.com

Filmografía como actor

Año

Película

Papel

Notas

1967

The Image

El niño

Cortometraje

1969

The Virgin Soldiers

Soldado

(extra)

1970

Pierrot in Turquoise or The Looking Glass Murders

Cloud

Telefilme

1976

El hombre que vino de las estrellas

Thomas Jerome Newton

Premio Saturn al mejor actor

1978

Just a Gigolo

Paul Ambrosius von Przygodski


Director

James Maury "Jim" Henson (24 de septiembre de 1936 - 16 de mayo de 1990) fue un titiritero y productor televisivo estadounidense, conocido por ser el creador de The Muppets. Henson participó en varios programas de televisión, incluyendo Sesame Street y The Muppet Show, y en películas como The Muppet Movie, The Great Muppet Caper, The Dark Crystal y Labyrinth. Estuvo nominado a un premio Óscar y ganó los premios BAFTA y Emmy. Para desarrollar sus proyectos, Henson fundó diferentes compañías, como The Jim Henson Company, The Jim Henson Foundation y The Jim Henson's Creature Shop.

Películas

Entre las películas de marionetas que dirigió destacan:

  • Cristal Oscuro
  • Dentro del laberinto

Jim Henson en los premios Emmy de 1989.

Nombre real James Maury Henson

Nacimiento Greenville, Misisipi
24 de septiembre
de 1936 Fallecimiento Nueva York, Estados Unidos
16 de mayo
de 1990 (53 años)

Ocupación Titiritero Director de cine Productor de televisión

En 1969, The Muppets constituyeron el centro básico del programa infantil Sesame Street (Barrio Sésamo en España o Plaza Sésamo en Hispanoamérica) y con los años Bert y Ernie (Blas y Epi en España; Beto y Enrique en Hispanoamérica), Óscar el gruñón (el monstruo de la basura en Hispanoamérica), Big Bird (equivalente a Caponata en España, llamado Abelardo en Hispanoamérica), la rana Kermit (Gustavo en España; René en Hispanoamérica), pasaron a ser rostros familiares en todos los hogares.

El show de The Muppets (The muppet show, 1976-1981), protagonizado por la rana Kermit y la cerdita Piggy (Miss Peggy) junto a personas reales, se ha visto en más de cien países.

En los años ochenta fue el director y guionista de una mini-serie de 9 capítulos, llamada El Cuentacuentos.

Además fue creador del programa Fraggle Rock y dirigió y produjo varias películas protagonizadas por sus marionetas, como The muppet movie ("La película de Los Teleñecos", 1979), Cristal Oscuro (1982), Dentro del laberinto (1986) y Las tortugas ninja (1990).

Falleció el 16 de mayo de 1990 a causa de una neumonía, en Nueva York. Henson fue cremado y sus cenizas fueron lanzadas en su rancho en Santa Fe, Nuevo Mexico.

La empresa mundial Google conmemoró el día de su cumpleaños presentando un logotipo con la forma de los personajes que dio vida, The Muppets.

Director de fotografía

·  País nacimiento: Reino Unido

  • Fecha de Nacimiento: 12-01-1929
  • Fecha de Fallecimiento: 14-06-2007

Alexander Thomson (12 de enero de 1929 - 14 de junio de 2007) fue un cineasta británico. Nacido en Londres, Inglaterra, fue nominado para el Premio de la Academia a la Mejor Cinematografía para Excalibur (1981). Sus otras películas incluyen Año del Dragón (1985), Legend (1985), Laberinto (1986), The Krays (1990), Alien  (1992), Cliffhanger (1993), Demolition Man (1993), Executive Decisión (1996) y dos de Kenneth Branagh adaptaciones de Shakespeare, Hamlet (1996) y Trabajos de amor perdidos (2000). Después de iniciar su carrera cinematográfica a finales de 1940, pasó a servir como un operador de cámara en virtud del cineasta Nicolas Roeg en doce películas entre 1961 y 1966.

Fotografía

  1. (2000) Camino hacia la gloria - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 5.04
  2. (2000) Trabajos de Amor Perdidos
  3. (1996) Decisión Crítica - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 5.54
  4. (1996) Hamlet (1996) - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 7.76
  5. (1995) La Letra Escarlata (1995) - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 4.85
  6. (1994) Un Caballo Llamado Furia
  7. (1993) Demolition Man - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 6.09
  8. (1993) Máximo riesgo - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 5.95
  9. (1992) Alien 3 - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 6.04
  10. (1990) Un Destino de Ida y Vuelta
  11. (1989) Leviathan (El Demonio del Abismo)
  12. (1988) El Hotel de los fantasmas
  13. (1987) Cita con un ángel muy especial
  14. (1987) El Siciliano
  15. (1986) Ansias de vivir
  16. (1986) Dentro del Laberinto - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 6.95
  17. (1986) Ejecutor (1986) - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 4.74
  18. (1985) Legend - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 5.36
  19. (1985) Manhattan Sur - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 6.81
  20. (1984) Eureka (1984)
  21. (1984) Sueños Eléctricos
  22. (1983) El Torreón
  23. (1981) Excalibur - Los CINeolianos han puntuado esta pelicula con un 7.35
  24. (1981) Skokie
  25. (1979) Juego de Buitres
  26. (1972) El retorno del Dr. Phibes
  27. (1971) El Enterrador Nocturno
  28. (1969) Alfredo el Grande

Mi semblanza

Me parece una buena película porque la historia es buena ya que todas las historias de fantasía me agradan ya que la magia de sus creaciones en esta película es el maravilloso de como los hábiles artistas dan vida a los títeres y marionetas de tela, fieltro y plástico, hasta el grado de convertirlos en seres reales. Ya que nos imaginamos la personalidad, voz y conducta propia; y lo mismo se aplica al resto de los Muppets.

Me recordó a la película de los muppets pero en un sentido más surrealista por eso me gusto ver  el "Laberinto", una película de fantasía pura, en la que Henson y su equipo aplican su magia interpretativa a un nuevo universo de personajes que derrochan creatividad, humor y alma.

Análisis

Mi expectativa de la película se parecía un poco a la experiencia que me platicaron que fue un poco enfocada en el libro de Alicia en el país de las maravillas, de allí me di una idea para la película.

Su dimensión retorica luego luego te comprende que la historia será en un laberinto, tiene relación con toda la película ya que se desarrolla dentro del laberinto, y es el título original.

Te presenta los créditos de una manera muy creativa y con una muy buena canción, te lo presenta de manera muy dinámica, su diseño tipográfico se entiende y está bien, su duración inicial es hasta los 3 minutos, el nodo inicial empieza porque sus papas le dejan a su cargo a su hermano y ella no quiere y desea que el rey de los duendes.

El problema es que ella desea que el rey de los duendes  se lleve a su hermano pero después lo piensa bien y cuando ve que su deseo se vuelve realidad se asusta y trata de que el rey se lo devuelva pero el rey le pones acertijos y la mete a un laberinto  donde ella tendrá que entrar para averiguar donde está su hermano.

Las imágenes en la película están muy bien en su color son colores cálidos y un poco apagados por ende su iluminación es atenuar los detalles, la composición me pareció muy bien hecha y la textura se ven muy claros que son títeres y eso se ve genial.

Los planos están bien sincronizados como sus emplazamientos, el punto de vista narrativo es muy crítico ya que le da un énfasis a los planos abiertos.

La música se relacionan con una muy buena sincronía de sonidos y le dan a la película un cierto estilo rockeron porque hace que no pierdas ni un momento de ver la película, las voces son geniales cada personaje tiene una voz que lo hace singular, muy bien entrados los silencios como los diálogos. Los silencios hay pocos pero hay y los utilizan para marcar tal suspenso en cuanto a la imagen.

Los creadores reconocen influencias de obras como Alicia en el País de las Maravillas (Alice's Adventures in Wonderland), El mago de Oz (The Wonderful Wizard of Oz), y algunos trabajos de ilustradores como Maurice Sendak y Maurits Cornelis Escher.

Algunos de los titiriteros que trabajaron en el proyecto se fueron posteriormente a trabajar en estudios de animación por ordenador.

Existe una novela, escrita a partir del guión de la película a la vez que esta se rodaba, sobre los mismos hechos que se presentan en el filme. El autor es A.C.H.Smith. Aunque en lengua inglesa la novela es muy difícil de encontrar (solo en subastas), hay una traducción al español:

Dentro del laberinto. Nocturna ed., España, 2010.

Se ha creado el primer Foro de Rol en español inspirado en la película, inaugurado el 17-10-2011, llamado Dentro del Laberinto Foro activo.

A 25 años de distancia, Labyrinth fue la última incursión en cine del creador de los Muppets y el último eslabón que le permitiría a Jim Henson consolidar un estilo cinematográfico a partir del arte de las marionetas.

Producida por George Lucas, Labyrinth fue estrenada a mediados de los ochenta cuando su director, Jim Henson, gozaba de una amplia popularidad como titiritero y productor televisivo, gracias a personajes como Kermit, the Frog, Big Bird, y Oscar the Grouch, quienes aparecieron primero en Sesame street, y posteriormente en The Muppet show.

Con su largometraje The dark crystal (1982) Henson ya había probado liberar a las marionetas de su espíritu educativo para convertirlas en protagonistas que habitaran  mundos de ensueño. Pero, con E.T. como competencia, el resultado de esta película fue similar al de Labyrinth: no conquistó ni a la crítica ni al público estadounidense. Sin embargo, ambas se convirtieron en películas de culto, sobre todo en Japón, y en unos de los primeros videojuegos basados en el cine para las legendarias computadoras Commodore 64 y Apple II.

Tanto The dark crystal como Labyrinth tenían una atmósfera fantasiosa y obscura, pero mientras la primera plasmaba un mundo mitológico donde dos razas se enfrentan entre sí, Labyrinth narraba una historia más sencilla que, en esencia, repite la estructura de un rito de transición, es decir, su protagonista tiene que sortear una prueba para pasar de la niñez a la juventud.

Con un argumento similar al de Outside over there de Maurice Sendak (mejor conocido por su libro Where the wild things are), Labyrinthcuenta la historia de Sara (Jennifer Connelly), una quinceañera que, para su pesar, tiene que cuidar a su pequeño hermano, Toby. Celosa de él y harta de sus llantos, Sara -que todavía es una niña soñadora sin ganas de tener mayores responsabilidades- le pide a Jareth, el rey Goblin (David Bowie) que se lleve a su hermano. Su deseo es concedido: Toby es raptado por los duendes por lo que Sara tiene que ir a buscarlo al laberinto.

Al contrario que The neverending story, donde la imaginación tiene un valor positivo pues es el remedio para salvar a Fantasía de la Nada, en Labyrinth la imaginación tiene un doble papel. Por un lado, es lo que posibilita la historia. Pero, por otro lado, es planteada como un obstáculo para Sara: casi todos los personajes que aparecen en el laberinto (representaciones de los muñecos que todavía adornan su cuarto) le impiden llegar al castillo del Rey Goblin para salvar a su hermano, y sólo saldrá del laberinto cuando decline la propuesta de Jareth de vivir en un mundo de fantasía.

Es decir, la aventura cinematográfica de Henson -en cuyo guión también participó Terry Jones, el ex Monty Python's- plantea un dilema con el que muchas adolescentes pueden identificarse: seguir soñando aventuras con seres fantásticos y príncipes seductores o crecer y aceptar ciertas responsabilidades.

Para crear Labyrinth, Jim Henson utilizó viejos trucos de la era pre-digital y llamó algunos de sus antiguos colaboradores: al igual que en The dark crystal, el diseño de los personajes recayó en el célebre ilustrador Brian Froud, reconocido no sólo por su colaboración con Henson, sino también por sus libros de duendes, hadas y gnomos.

El reto principal de Labyrinth -y su aportación más lograda- fue darle vida a los habitantes que había ideado Froud, y por supuesto recrear un laberinto infinito, sin aparente solución, cuya inspiración más directa fueron los dibujos de M. C. Escher, como queda claro en la secuencia en la que Sara intenta salvar a Toby de las "garras" de Jareth.

Henson también utilizó toda clase de efectos ópticos para generar una atmósfera sombría y sugerente, algunos de ellos disimulados, como los múltiples rostros de Jareth, probablemente inspirados en el arte surrealista.

Asimismo, utilizó trucos del encuadre como las escenas donde Jareth gira las bolas de cristal, las cuales en realidad fueron manipuladas por el malabarista Michael Moschen como se explica en el documental "detrás de cámaras" Inside the Labyrinth.

Finalmente, cada detalle y personaje de la película -el túnel de manos por donde cae Sara en una especie de reminiscencia a Alice in Wonderland; los diversos duendes que formaban la corte del rey Jareth, cuyos rostros son todos diferentes; The Wiseman interpretado por Franz Oz, el inseparable colaborador de Henson; o las aldabas de las puertas que discuten entre sí- fueron elaborados con un cuidado artesanal que demuestra porque Henson y su equipo de producción eran verdaderos genios de las marionetas y del ilusionismo escénico.

"En la historia del cine, el uso de marionetas y títeres como personajes centrales ha sido limitado, y se reduce a la obra de algunos directores solitarios como Henson".